martes, julio 31, 2012
HORROR VACUI: CIENCIA FICCIÓN
martes, julio 17, 2012
HORROR VACUI: EL SILENCIO
Como mucha gente no nos pudo escuchar en su momento, esperamos que esta nueva oportunidad nos deje un número majo de oyentes y seguidores, que los ánimos siempre vienen bien cuando se trata de emprender algo nuevo.
Poco a poco iré subiendo los demás programas, para que los disfrutéis. Gracias por vuestra compañía.
Por cierto, ya os lo podéis descargar aquí.
sábado, mayo 12, 2012
CELEBRACIÓN (VINTERBERG, 1998)
En esta etapa de punto de atención a la radio sigo publicando reseñas en la revista Versión Original, no os vayáis a creer que he abandonado el cine. Qué va.
Y la última reseña es sobre Celebración (Festen, Thomas Vinterberg, 1998), que podéis leer aquí (páginas 41 - 43).
Que os guste.
martes, abril 24, 2012
CORREN BUENOS TIEMPOS PARA LA RADIO
Seguramente, algunos se pregunten dónde me meto en los últimos tiempos. Sí, la verdad es que estoy un poco desaparecida últimamente pero todo tiene su explicación.
Desde hace unos días me dedico en cuerpo y alma a la radio, de dos formas bastante distintas. La primera de ellas es mediante un programa que he creado, que dirijo y que presento. Se trata de Horror Vacui, un programa de esencias culturales que se emite en directo todos los jueves, de 17 a 18 h. en Onda Villanueva. Como me imagino que no hay mucha gente por aquí que viva en Villanueva de la Cañada, os pongo el enlace de la Universidad Camilo José Cela, que es donde está alojada la radio. Quien me ha escuchado ya os lo podrá corroborar: es un programa muy diferente, con partes de radioperformance y mucha cultura por todos los costados.
He tratado de colocar una radio en el lateral del blog pero parece que no funiona bien. Mientras no consiga ponerla como debe ser, podéis escucharme aquí.Y también podéis poner comentarios acerca del tema de la semana en el Twitter oficial del programa.
Pero también podéis dar conmigo en la ondas a través de los boletines informativos de Radio Sol XXI, donde lo mismo redacto y locuto noticias de actualidad como comento las últimas actividades culturales que hay en Madrid. Es toda una experiencia el poder colaborar con el equipo que forma esta radio, una gran familia que me ha acogido muy bien. Os emplazo a que me escuchéis por las mañanas, a partir de las 7 h. y hasta las 12 o las 13 h, según el día. Radio Sol XXI se puede escuchar en el dial 99.8 u online aquí.
Espero que así lo hagáis y que me comentéis qué os parece esta faceta.
Y en breve, más cine y arte en general.
Abrazos.
jueves, marzo 15, 2012
XIX FESTIVAL SOLIDARIO DE CINE ESPAÑOL DE CÁCERES
Se trata de un festival llevado desde la Fundación Rebross, con fines solidarios y recaudación destinada a dos ONG´s (Hijos del Sol Inti Rayni de Perú e Ipiranga de Brasil). En este festival se proyectan las mejores películas del año anterior, del 2011 en este caso, y el día 17 se entregan los premios San Pancracios en una gala que promete. Y digo que promete y, seguramente, se lo contaré ya que este año he sido invitada muy amablemente como colaboradora que soy de Versión Original, la revista de cine de la Fundación.
He de decir también que desde Cáceres se trata de apoyar a los nuevos talentos, con lo que se proyectan operas primas, así como cine destinado a público infantil y juvenil.
Para más información, se puede consultar todo lo relativo a horarios, proyecciones, etc. en la página web del festival.
Próximamente, más.
PRIMOS (DANIEL SÁNCHEZ ARÉVALO, 2011)

En esta ocasión, el número 202 trata del cine español que se ha podido ver durante el 2011. En lo que a mí me corresponde, decir que he colaborado para este número haciendo la reseña de la divertida Primos (Daniel Sánchez Arévalo, 2011), que pueden leer aquí (págs. 48 y 49).
Espero que les guste y, sobre todo, que me cuenten.
lunes, marzo 12, 2012
SHAME (Steve McQueen, 2011)

Los que ya me conocen y me siguen desde hace ya casi seis años sabrán que no me suelo conformar con lo que leo en otros blogs hermanos y en las críticas "profesionales" (entrecomillo porque es una denominación irónica ya que cualquiera de los blogs que leo son tanto o más profesionales que dichas reseñas. Ahí dejo la lanza rota); por lo tanto, ya se esperarán, ustedes amigos y vecinos, que diga algo distinto. Qué bien me conocen.
Shame, la última película de Steve Mcqueen, casi más conocido por llamarse igual que el rubio actor que anuncia coches una vez muerto (nada que ver, créanme) que por ser director de cine, ha levantado mucha expectación desde el inicio. Tal vez sea normal dado el argumento (yo no creo que tanto) pero a mi parecer la gente se excede una y otra vez a la hora de etiquetar las películas. Polémicas como ésta las ha habido desde que el cine es cine, con los dos bandos de rigor: a favor -Yeah!- o en contra -Buuuuh! Y me viene a la cabeza La última tentación de Cristo (Martin Scorsese, 1988) y el tema de las salas de cine quemadas. Afortunadamente, ese tipo de cosas se ven algo menos hoy en día, no obstante el encumbramiento de nuevos ídolos es algo que está muy de moda. Y eso produce una serie de consecuencias.
Empezamos con los spoilers. No digan que no aviso.
Brandon es un hombre normal, aparentemente, pero esconde un secreto. Es un adicto al sexo y de los de terapia durante años y años ("¡ooooohhhhh!"). Su problema es tremendamente grave, ya no sólo porque parece morir si no mantiene relaciones, consume porno o se masturba compulsivamente, sino por el motivo (en todo momento oculto aunque pefectamente imaginable) por el cual él es así.
Con esta premisa y los rumores sobre el físico del actor protagonista, Michael Fassbender, Twitter se convirtió en un hervidero de comentarios y de deseos de ver tan esperado film. Hasta que, al fin, se estrenó y los comentarios derivaron en muestras de admiración y aplausos a manos llenas.
Claro, y a mí me pasa lo de siempre. Que me quedo con la intriga que no cesa (como el rayo de Miguel Hernández) hasta que entro en la sala y empieza la película. Poco después, salgo con cara de tampocoesparatanto, y me planteo lo que me planteo tan a menudo: ¿seré yo la rara?
Pues creo que no, señores. Y creo que la crítica de cine se está excediendo muy a menudo en los últimos tiempos. Y me remonto a lo que dije en su momento con respecto a El árbol de la vida y añado que, si vamos al cine con las ideas tan claras y preconcebidas, nos merecemos el chasco habitual. Mea culpa, queridos amigos.
Y dicho esto, con lo que me quedo la mar de ancha y satisfecha, me pongo a lo que toca, que es comentar la película.
Como digo, la sensación con la que salí del cine fue la de que tampoco era para tanto. Admito que es una buena película, que sendos actores - el ya mencionado Fassbender y la dulce Carey Mulligan - hacen un trabajo muy correcto, profesional y sentido, que la planificación es interesante por lo arriesgado (los planos largos son realmente buenos) y poco más, porque se me queda bastante corta en cuanto al argumento. La historia me parece lo suficientemente buena como para cargar más las tintas e ir más allá del simple planteamiento del problema. Efectivamente, creo que es un punto a favor el que no se explique el porqué de ciertos comportamientos de los hermanos, creo que se muestra bastante el sufrimiento de estos dos seres vacíos, pero yo me quedo a medias. Tal vez no sepa como explicarme, quizás me haya pasado que las expectativas hacen de mí una espectadora cuyo entusiasmo se desinfla poco a poco. No lo sé. Lo que sí sé es que me marché a mi casa con ganas de saber más cosas, de que se me mostrara con mayor profundidad la relación entre ambos personajes. ¿Qué no la hay? Bueno, pues hazme entender porqué. Sí, soy consciente de que se sugiere pero...
No sé si me siguen. El caso es que me gustó la película, en general, y la disfruté con especial atención hacia el trabajo actoral pero se me queda algo coja.
Eso sí, tengo ganas de ver Hunger (2008).
Vamos a saber qué es lo que hace McQueen.
Espero contarlo.
Shame se centra en una persona que goza de todas las libertades occidentales y que, a través de su aparente libertad sexual, crea su propia prisión. Mientras asistimos - y nos vamos insensibilizando - a la constante y continua sexualización de la sociedad, ¿cómo podemos orientarnos en este laberinto para no dejarnos corromper por el ambiente que nos rodea?..
Shame no sólo toca la obsesión por el sexo, sino cualquier tipo de obsesión que sea imperiosa el hacerla relidad. Parece como si en el mundo actual del consumo no tuviéramos voluntad propia. Somos seres más frágiles de lo que pensamos. No es muy grato el mostrar esa debilidad, pero creo que es necesario que no escondamos la cabeza debajo del ala y que nos miremos de frente a nosotros mismos, tal y como somos.
Ahí dejo la reflexión. Salud.
martes, febrero 21, 2012
EN BUSCA DEL TRABAJO PERDIDO

Pues sí, queridos lectores de este vuestro blog. Me temo que vuelvo a colgar el cartelito dichoso pero esta vez el motivo no es que me vaya de vacaciones sino que tengo que dedicar mi tiempo a otro menester más importante: la búsqueda de empleo en tiempos de crisis. Y como la cosa está muy malita parece que va para largo.Aprovecho para venderme un poco en mi casa (faltaría más) y os digo que yo soy vuestra mujer si lo que buscáis es una redactora y crítico con mucha experiencia. También soy profesora de Arte y de Cine y estoy empezando en el mundo de la locución.
Para más referencias podéis contactar conmigo aquí mismo o a través de mi perfil en Twitter: @SoyBolboreta
Muchas gracias por vuestra fidelidad y paciencia. ¡Hasta pronto!
P.D. No os olvidéis de mi perfil en Facebook, Memoria de bolboreta, que trato de mantener con vida. Allí también os espero.
martes, diciembre 27, 2011
¡OLVÍDATE DE MÍ!

En ella podrán leer mi artículo Historia de un fracaso (o no), dedicado a ¡Olvídate de mí! (Michel Gondry, 2004). Páginas 48 a 50.
Que les guste.
lunes, noviembre 21, 2011
EL CINE COMO RITUAL: PHENOMENA THE ULTIMATE CINEMATIC EXPERIENCE
Nacho Cerdá y su equipo han creado Phenomena, The Ultimate Cinematic Experience, una especie de ciclo revival en el que se recuperan películas míticas de los años 70, 80 y principios de los 90. El propio Cerdá lo explica aquí.
La experiencia se inició en Barcelona y, dada la buena acogida, se ha exportado a Madrid, donde la expectación no ha sido menor (doy fe de la larguísima cola, sólo para coger sitio, que las entradas se habían agotado días antes). De momento el ciclo ha contado con cuatro sesiones dobles, a saber: Tiburón / El exorcista; Harry el sucio / El resplandor; Jurassic Park / Terminator 2 y Regreso al futuro / Los cazafantasmas.

Eso sí, canté la canción como todos los que allí nos encontrábamos, al igual que aplaudí en los momentos más emocionantes de Regreso... Y es que, lo mejor de todo esto, es esa sensación de reunión con gente que no conoces de nada pero que comparte tus gustos y la ilusión de una infancia o juventud que parece no se pierde con el tiempo.
Porque de vez en cuando apetece una de cine palomitero, con comentarios graciosos y expresiones de júbilo.
Porque de vez en cuando es genial asistir en masa a ese ritual comunitario que por desgracia se está perdiendo.
Porque, señores, eso es el cine.
jueves, octubre 06, 2011
miércoles, septiembre 21, 2011
EL ÁRBOL DE LA VIDA

Después de varios días leyendo demasiadas historias sobre lo sucedido en las salas de cine acerca del estreno y visionado de El árbol de la vida (Terrence Malick, 2011) mentiría si dijese que no he ido al cine dispuesta a verificar toda esa información. Son las cosas que me suelen pasar porque no me dejo guiar por la opinión de los demás en cuanto a gustos cinematográficos se refiere. Y no es debido a nada en concreto sino que creo que la subjetividad no es más que eso, una visión propia de las cosas. Tú la tuya y yo la mía.
Así pues, me dispuse a acomodarme en la última sala del cine, envuelta en chaqueta y foulard (atuendo imprescindible para cualquier cinéfilo de bien en días de todavía verano), rodeada de gente que, supongo, tenía la misma curiosidad que una servidora. Porque es llamativo que haya cola a las puertas del cine un martes a las cuatro de la tarde.
Pese a la hora, he de decir que ni me dormí ni me marché de la sala encolerizada. Es más, nadie lo hizo y nadie aplaudió enfervorecidamente al ver, al fin, los títulos de crédito. Sólo pude escuchar un sutil comentario que me hizo sonreír. Y es que dos mujeres mayores comentaban que no habían entendido nada pero que la película era "bonita". Sonrío de nuevo.
Vamos a empezar por el principio, no quiero emular a Malick y provocar que salgan de este su blog gritando que leer esta entrada es peor que ver un documental (aunque se sorprendan se han dicho cosas todavía más graves sobre la película. Créanme, no exagero).
Dejando un poco de lado la ironía, quiero ponerme seria porque considero que cosas como ésta provocan más daño que risa. Y me refiero a toda esta polémica absurda que se ha creado a raíz del estreno del film: que si es la película del año, que es si como ver crecer la hierba, que si Malick se había fumado algo, que si le voy a poner un piso al director, a Brad Pitt y al árbol... No entiendo nada, señores. No sé qué espera la gente a la hora de ir al cine; bueno, sí: acción, carne y violencia, así en general y, en particular, películas que hagan pensar o que emocionen, más allá del mainstream. Pero es que resulta que no todo es así. Que a veces hay un señor que, por lo que sea, goza del favor (y el dinero) de ciertos productores (eso cuando no ha de recurrir a su propio bolsillo, lo cual no es tan raro) y hace la película que quiere hacer sin pensar en nada más. Y a este señor le da exactamente lo mismo lo que piensen los otros porque, además, tiene la suerte de que se le conoce en el mundillo y son muchos de los críticos que le tienen en el punto de mira, esperando a ver qué hace para darle tal o cual premio (la película ha sido Palma de Oro en la edición de Cannes 2011). Así son las cosas, gusten o no.
¿Cuál ha sido el problema en este caso? Pues quizás el hecho de que salga Brad Pitt en la película. Sí, sé que es muy fácil achacárselo todo a él, pero creo que en resumidas cuentas, así es. Mucha de la gente que ha ido (e irá) al cine lo hará condicionada porque participa el actor de moda. Y volverá a su casa sintiéndose estafada, lo cual no es muy justo porque la publicidad no es engañosa. Los creadores del film creen en su obra y la defienden. No hay más. Creo que el debate va más allá de El árbol de la vida y deberíamos preguntarnos por qué vamos al cine a ver determinada película y por qué nos fiamos de lo que se dice en la prensa. Pero quizás éste es un tema para otro post y veo que me estoy saliendo del asunto que nos ocupa.
¡OJO! Empiezan los spoilers, no digo más.
En primer lugar, no se trata de una película clara porque no se sabe en ningún momento dónde quiere ir a parar el director. La parte más argumental del metraje no empieza hasta pasada la mitad de la película y el resto está conformada por una concatenación de imágenes, hermosísimas, eso sí, que pretenden explicar de forma absurda la Evolución con una síntesis que haría de igual manera, o mejor, un niño de 10 años.
Parece ser que Malick quiere hacer un ejercicio metafísico acerca de que es la Vida, así con mayúsculas, y para ello pasa de lo particular (la vida de Jack O´Brien) a lo general (el Universo) , y viceversa, partiendo de los recuerdos del personaje que interpreta Sean Penn (Jack). El problema está en las transiciones, en esas evocaciones filosóficas que distraen la atención del público con tanta llamarada, tanta nube de humo y tanto dinosaurio. Y distraen porque te sacan de la historia, supuestamente con un motivo que, al no ser claro, provoca ese distanciamiento. Sin embargo es de justicia reseñar la labor del director de fotografía, Emmanuel Lubezki, cuyas imágenes en conjunción con la música de Alexandre Desplat han logrado provocar emociones en quien esto escribe.

Porque a mí me ha interesado el argumento, la historia de esa familia numerosa creada por un padre autoritario e injusto y una madre dulce y amantísima (estupenda Jessica Chastain) y, especialmente, las inquietudes de ese pequeño Jack (Hunter McCracken inicia con esta película una prometedora carrera), que descubre la vida inmerso en ese marco familiar.
Me gustan las interpretaciones (no me voy a meter en ello pero todos los actores están bien en sus papeles), me gusta, mucho, como ya he dicho antes, la fotografía y que se hagan planos arriesgados buscando más la estética que la narrativa, me gustan momentos como el de la pelea familiar donde Pitt se luce y los movimientos de cámara son estupendos, me gusta incluso el momento final (que no la resolución) donde las imágenes de la familia rodeada de gente con la banda sonora ponen los pelos de punta...
Pero hay cosas que no me convencen y una de ellas es esa resolución de la que hablo. Porque, de repente, se pasa de esta familia que ha de mudarse a un final abrupto donde el Jack adulto se reencuentra con sus padres, hermanos y consigo mismo en formato infantil en un mundo irreal, divino quizás (esto sería interesante tratarlo pero no me veo capaz de hacer una disertación sobre religión y ciencia), donde todo está bien y nada se parece a la vida real que lleva ya de mayor. Vida que, todo sea dicho, debemos intuir porque esta parte protagonizada por Penn es insignificante y nulamente aclaratoria. No es de extrañar que el propio actor se sienta molesto con el resultado del film y haya hecho estas declaraciones.
Tal vez pase como ya sucedió con La delgada línea roja (1998) y Malick haga un nuevo montaje (no estaría nada mal que repensase ciertos aspectos, en mi humilde opinión). No lo sé pero lo que hay por ahora es lo que se debe calificar.
Y mi valoración final es que se puede ver pero no será muy recordada. Ustedes dirán.
martes, julio 19, 2011
Antonio López
Antonio López
VIDA Y OBRA
Siempre he pensado que Antonio López es una persona muy especial. Fíjense que digo persona y no artista, que también, pero casi me atrae más la filosofía con la que encauza su vida, por más que su obra resulte fascinante. Manchego, de carácter reservado, con la mirada puesta en la alteridad, en esa luz que condiciona las formas, también en el paso del tiempo que trastoca las superficies. Él es capaz de llevar todo ello, estos intereses varios, a las artes plásticas que domina con ejercicio preciso por la necesidad no tanto de mostrar o demostrar como de expresarse.
Esa forma de trasladar las inquietudes metafísicas a la materia es lo que hace del de Tomelloso (1936) un maestro al que se le sigue de cerca en el mundo entero. A la vista está, dada la procedencia de algunas de sus obras, ahora reunidas en las salas del Museo Thyssen - Bornemisza en una exposición retrospectiva.
Es pues el momento de repasar las novedades a la luz de todas esas óleos, maderas, yesos y bronces, obras de tiempos pasados que han ido conformando un estilo inclasificable porque las etiquetas no siempre hacen falta, como bien dice el autor: «Hay que dejar a la gente un poco libre, porque es que si no la acogotas con tantas informaciones» (Informe Semanal, 25 de junio de 2011).
Libertad. De acción y creación. De colocar el punto de inicio de la exposición – está comisariada por su hija, la eternamente retratada María – en algunas de sus últimas obras, cuatro cabezas copiadas de modelos de la clásica Grecia que han sido elaboradas en las clases de la facultad de Bellas Artes a la que asiste como alumno pese a ser maestro. O de hacerle un guiño al espectador con una pequeña "broma" que se le perdona porque no se aprecia malicia en el collage oculto en uno de sus óleos (en la decisión del espectador está el querer ver o no). Antonio López sabe lo que significa la palabra libertad.
*Créditos de las imágenes: María dormida (1964).
miércoles, julio 06, 2011
Construir la revolución. Arte y arquitectura en Rusia 1915 - 1935
Construir la revolución
ARTE Y ARQUITECTURA EN RUSIA 1915-1935
Una vez más, CaixaForum Madrid nos propone una interesante exposición para disfrutar pero, sobre todo, aprender un poco más acerca de las conexiones existentes entre las distintas artes y, más aún, entre el arte y el contexto que lo propicia.
La idea es clara: analizar cómo los cambios acontecidos en Rusia tras la revolución de 1917 modificaron el panorama artístico en general y arquitectónico en particular de un país que necesitaba reinventarse. Para ello se recurre a una selección de edificios y construcciones de importancia documentadas a base de fichas y fotos de la época, contrapuestas a la visión actual del fotógrafo Richard Pare de dichas edificaciones. Y todo ello complementado con fondos de la Colección Costakis del Museo Estatal de Tesalónica, una muestra plástica que ayuda a comprender cómo los artistas de la época estudiaban e investigaban sobre ciencia, mecánica, geometría… como apoyo para sus creaciones.
LA BÚSQUEDA DE LA FUNCIONALIDAD
Edificios como el de la Tsentrosoyuz, creado por Le Corbusier y Nikolái Kolli en 1933, el garaje Gosplán (Konstantin Mélnikov, 1936), la casa familiar del propio Mélnikov (1927 – 1931) o la fábrica de pan ideada por Gueorgui Marsakov (1931) son un ejemplo de cómo se va forjando y asentando el Constructivismo Ruso, a base de buscar la funcionalidad y la utilidad como claves esenciales para los propósitos del gobierno ruso. Gracias a las espectaculares fotos de Pare el visitante puede comprobar cómo han evolucionado las construcciones que todavía permanecen en pie (muchas de ellas han entrado en decadencia) o cómo su función ha sido modificada.
Leer artículo completo.
* Crédito imagen: Torre de radiodifusión Shábolovka (Vladimir Shújov, 1922).
lunes, junio 20, 2011
La mano con lápiz. Dibujos del siglo XX
La mano con lápiz. Dibujos del siglo XX
LAS COLECCIONES DE LA FUNDACIÓN MAPFRE
La Fundación Mapfre (coleccionesfundacionmapfre.org) propone una interesante exposición por la que pasearse ahora que empieza el verano y se está mejor dentro que fuera.
A partir de la colección de obras que atesora en sus fondos se propone un recorrido por la evolución del dibujo mediante seis denominaciones que compartimentan la visita: La tradición, La modernidad, El espíritu de vanguardia, El surrealismo y En los límites de la vanguardia. Tal vez se vea necesario un aumento del número de obras y de la cronología, puesto que el recorrido se queda algo corto, centrándose en determinados artistas y vanguardias como el Surrealismo (el límite lo pone el final de los años 60). Al menos ésa es la sensación que le queda a quien esto escribe.
Sin embargo siempre es provechoso observar de cerca los trazos de algunos de los más grandes artistas de la Historia del Arte. Dalí comparte espacio con Pinazo, Torres García, Schiele, Barradas, Palencia, Picabia, Picasso o Chillida, entre otros, para mostrar que el dibujo es algo más que el trabajo preparatorio para las obras. Así, con la muestra se pone de manifiesto esta realidad, además de servir como documento que acerca a la espontaneidad de los autores y la evolución de su trabajo: resulta más que curioso apreciar cómo evoluciona la firma de Salvador Dalí, desde el apellido sin tildar (Soledad mental, 1932) hasta el Gala Salvador Dalí de Guerra estética (1943).
Leer más...
* Crédito imagen: Soledad mental (Salvador Dalí, 1932).
miércoles, junio 08, 2011
ALMALÉ / BONDÍA. In Situ

Nuevo artículo en TalentyArt...
ALMALÉ / BONDÍA. In Situ
«REINVENTAR UNA DRAMATURGIA DEL PAISAJE»
«El paisaje es el espacio que un hombre describe a otros hombres» (Marc Auge). Ésa parece la obsesión del dúo de artistas Javier Almalé (1969) y Jesús Bondía (1952), interesados siempre en hacer reflexionar al espectador acerca de aquello que ven sus ojos cuando se pone frente a una de sus fotografías.
Como si de una revisión de la obra de Lewis Carroll se tratase, nos proponen adentrarnos más allá del espejo, tal vez no de la mano de Alicia, pero sí de unos personajes con los que nos podemos identificar, de los que nos podemos apropiar: cuarenta fotografías de personas anónimas (¿quiénes son? ¿Importa eso algo?) que dan la espalda al espectador mientras observan paisajes reflejados – o ideados – por otros artistas; cuarenta «yoes» a los que asomarnos, con los que identificarnos, más allá de los marcos, de las fronteras. Se trata de la obra Insitu. Mirada, montada expresamente para la Galería Astarté (http://www.galeriaastarte.com/pages/galeria).
lunes, mayo 30, 2011
MIDNIGHT IN PARIS (WOODY ALLEN, 2011).

¡Spoilers! No digan que no aviso...
Woody Allen ha filmado la película que me habría gustado protagonizar.
Al igual que el personaje interpretado por Owen Wilson me hubiera gustado habitar París en los felices años 20, recorrer sus calles para tropezar con Dalí montado en un rinoceronte imaginario (es un decir...) o ver bailar a la exótica Josephine Baker con su falda de plátanos.
¿Será que cualquier tiempo pasado fue mejor? Ésta es la pregunta que se hace el realizador neoyorquino en el que, hasta el momento y en vista de las pre-producciones, es su último largometraje, Midnight in Paris (2011). Y la conclusión, pese a todo, es muy clara. Pero no adelantemos acontecimientos que así, ya de paso, les mantengo con la intriga, si es que se arriesgan a leer la reseña sin haber visto el film.
Allen nos regala (sí, señores, me ha gustado. Y mucho) una película pequeña, sin grandes pretensiones, sencilla... pero muy onírica y divertida. He de decir que, después de haberle abandonado tras Match Point (2005), que no me gustó (no me tiren nada, por favor), el reencuentro ha sido de lo más agradable.
El espíritu es el el mismo, en el fondo: el estudio de las relaciones, básicamente entre hombres y mujeres, siempre con el apoyo de unos diálogos hilarantes y aportando de nuevo un fondo crítico hacia la sociedad actual.
En este caso se trata de una pareja que se haya a las puertas del altar y que viaja a París con los padres de ella. Conflicto asegurado, estarán de acuerdo conmigo. Y más si se ve a leguas que Inez (Rachel McAdams) no está enamorada de Gil porque no tienen nada en común. La sensibilidad nada puede contra el materialismo o eso puede parecer en un primer momento.
Tras tener la increíble experiencia de vivir en un tiempo que se imagina extraordinario (siempre he pensado que la reunión de genios en el París de los años 20 lo fue), parece que Gil quiera quedarse anclado en el pasado, al lado de otra incomprendida, la hermosa Adriana (Marion Cotillard). Sin embargo es consciente de que allí está de prestado, que su tiempo es otro y que la vida y el destino le deparan sorpresas. Pero, claro, ya ha pasado por la experiencia de aconsejar a Buñuel (es el único personaje que no me gusta de toda la película. No me lo imagino yo así a don Luis. Sin embargo el Dalí de Adrien Brody es de lo más gracioso). Envidia siento, así se lo digo.
Así que, pese a todo ello, y como decía antes, la decisión es fácil de tomar y todo lo hermoso y emocionante está de enhorabuena.
Y, a grandes rasgos, y sin ánimo de descubrir más el argumento, de esto se trata. Y sólo añadir que, si se dejan, el buen rato y las sonrisas (alguna risa que otra también) están aseguradas. A los hechos me remito.
Salud, señores.
lunes, mayo 16, 2011
LA MIRADA DEL SAMURÁI: LOS DIBUJOS DE AKIRA KUROSAWA
Continúa mi trabajo para la revista TalentyArt.
La mirada del samurái: los dibujos de Akira Kurosawa
María Vaquero - TalentyArt.com
«¿SON DIGNOS LOS DIBUJOS DE MIS STORYBOARDS DE SER LLAMADOS ARTE?»
Akira Kurosawa (1910 – 1998), uno de los cineastas más importantes de todos los tiempos, se cuestionaba de esta forma su estilo a la hora de crear imágenes, pero esta vez con pastel y acuarela sobre papel.
El Museo ABC no ha dudado a la hora de albergar la interesante exposición comisariada por Josep María Caparrós, recogiendo parte de los numerosos dibujos hechos en su momento con el fin de convencer a las productoras para rodar en tiempos de crisis. Así, partiendo de una primera sección general e introductoria con datos y carteles de los films, el espectador se adentra en una muestra que resulta un tanto caótica. Y es que, a pesar de la clara intención de ser una exposición guiada, con paneles que dividen la estancia en diversos pasillos, no es fácil hacer un recorrido cronológicamente ordenado.
Pese a todo, y como lo que importan son los dibujos al fin y al cabo, se puede apreciar la vocación didáctica de la selección de obras, al igual que el valor explicativo de las cartelas.
LA RELACIÓN ENTRE LAS ARTES
Kurosawa demuestra la formación artística adquirida en sus años de juventud, cuando deseaba entrar en la Academia de Arte de Tokio, algo que no consiguió. Tal vez eso haya sido una suerte para la Historia de Cine, tal vez el mundo se haya perdido a un buen pintor. Sea como fuere, en esta ocasión y a través de la selección de storyboards de varias de sus películas, se quiere destacar cómo arte y cine se relacionan en sus obras. Así, se observa cómo el uso de la luz, el color, las texturas o las composiciones utilizadas en el celuloide remiten a las enseñanzas artísticas puestas en práctica en estos dibujos.
Créditos del dibujo: Muerte de Yamagata Masakage, la bandera del fuego (para la película Kagemusha)..
jueves, abril 28, 2011
NUEVA SECCIÓN ARTÍSTICA

El primero de los artículos está dedicado a la exposición que CaixaForum Madrid dedica a Lartigue.
Espero que les guste.
Un mundo flotante, Jacques – Henri Lartigue
María Vaquero - TalentyArt.com
«La vida es algo maravilloso que baila, salta, vuela, ríe y pasa»
Jacques – Henri Lartigue (1894 – 1986) tuvo la suerte de poder acceder a las tecnologías de su época pero, si en algo fue afortunado es en el hecho de haber sentido curiosidad hacia el mundo que le rodeaba. Gracias a ese espíritu podemos observar hoy parte de la ingente colección de fotografías que hizo a lo largo de su vida, imágenes que son testimonio de la modernidad de una parte de la sociedad francesa de la época.
Realidad cotidiana
Se trata de su realidad cotidiana, de los habituales momentos de ocio que pasaba rodeado de los suyos, que son captados apoyándose en la accidentalidad. Su especialidad era lograr atrapar los movimientos en imágenes imperecederas: deportes como carreras de coches, tenis, ski…, personajes congelados en el aire al dar un salto o en el momento de zambullirse en el agua… Todo ello capturado con ese don de la oportunidad que le hacía estar cerca de todo lo que sucedía y, por supuesto, con unos encuadres escogidos con celeridad y mucha intuición.
En sus primeras obras se aprecia mejor la fuerza de la casualidad, del estar siempre presente y aguardando el momento; sin embargo, más adelante podemos observar, como otra de sus características, un mayor uso de la arquitectura como marco para alguno de sus retratos, quizás un poco menos espontáneos - cualidad que se mantiene a lo largo de toda su obra - pero no por ello menos bellos. En cualquier caso siempre destaca por el dominio del espacio y por el uso de las diagonales para imprimir mayor movimiento a las escenas capturadas con sus cámaras - hay fotografías como Bibi en mi coche nuevo donde el encuadre se antoja imposible aunque igualmente impactante.
... Para seguir leyendo, pinchar aquí.
* Artículo extraído de TalentyArt.
viernes, marzo 11, 2011
ÚLTIMOS VISIONADOS
CHICO Y RITA (Fernando Trueba, Javier Mariscal y Tono Errando, 2010).

Tal vez sea porque me encanta la forma de ser que tienen los cubanos, con esa tranquilidad y ese ritmo heredado, tal vez porque La Habana me fascina, anclada todavía en el pasado, tal vez porque la música siempre tiene interés para mí, sea la que sea... El caso es que la esperaba como agua de mayo, y no me ha defraudado.

En realidad, son éstos los que me fascinaron absolutamente, junto con la música del cada vez más grande Bebo Valdés. Gracias a esa ambientación la vida cubana resulta totalmente creíble, con esos edificios y coches decadentes, Tropicana y las gentes haciendo música y el amor en cada rincón de la ciudad.

La parte de Nueva York resulta interesante pero por otros motivos. El hecho de mostrar la vida cultural, musical, de aquella época, con personajes como Charlie Parker, Nat King Cole o Chano Pozo es para mí suficiente como para engancharme durante la otra parte de la película.
Es en este momento cuando creo adivinar guiños musicales hacia piezas de Gerswin. Y todas esas referencias fílmicas... Magnífico.

En definitiva, una buena elección para estos días de primavera que no acaba de llegar.
CISNE NEGRO (DARREN ARONOFSKY, 2010)
Y otra de las películas de este mes es la aclamada (y con razón) Cisne negro. Natalie Portman compone en esta película el, hasta ahora, personaje de su carrera.
Otra historia de ambición, en este caso llevada a los extremos más salvajes, ambientada en el exigente mundo del ballet clásico, con una bailarina que lo subordina todo a su pasión, alentada por una madre de película de terror (lo cual ayuda a que la visión de este film sea un poco así: terrorífica).
Aronofsky trabaja con una puesta en escena maravillosa, donde la cámara, y por tanto el espectador, danza a la par que Nina. Destacan los momentos de coreografía (impresionante la labor de Portman) que evolucionan a la vez que la protagonista: en un primer momento el espectador puede llegar a pensar que la actriz no lo hace lo suficientemente bien cuando lo que sucede es justamente lo opuesto. Su trabajo es tan brillante que expresa a la perfección esa frialdad que le recrimina constantemente Thomas Leroy, personaje interpretado por Vincent Cassel (muy buen trabajo el suyo, con esa fuerza animal que despliega gracias a su físico y su talento). Y vamos viendo su evolución según se va soltando y dejando convencer de que ha de ser perfecta en todo.

He hablado de varios de los actores pero es de justicia reconocer la labor de Barbara Hersey como madre castradora y Mila Kunis como bailarina pasional. Ambas acometen su labor con eficacia y ayudan a redondear el trabajo de las protagonista (le pese a quien le pese, la película es Portman).
Mucho se ha comentado acerca de esta película, sobre todo en cuanto a posibles influencias. Es por ello que no quiero repetir lo ya leído en otros blogs y webs. Solamente dar mi parecer, así que con esto concluyo.
Dos películas. Dos géneros y dos formas de hacer cine muy distintas. Sin embargo ambas han provocado emociones en quien esto escribe. Y eso, a día de hoy y tal y como está el panorama cinematográfico, es mucho.
FIN.





