OSAMA... ¿CUÁNTAS MÁS COMO ELLA?

La historia de Osama, escrita y dirigida por Siddiq Barmak en el año 2003, da forma a un film terriblemente necesario.

Cuenta cómo habían (y todavía han) de vivir las mujeres afganas, sometidas a las leyes machistas impuestas por los talibanes y, aunque derogadas tras la invasión estadounidense, todavía muy vigentes.

Qué triste el miedo de esta gente y con qué facilidad se hace y deshace en las vidas de los que están oprimidos.

Con una puesta en escena totalmente realista (y, en ocasiones, precaria), el director afgano trata de alzar su voz para que así se escuche la de estas mujeres que tras el burka no son capaces de expresarse (las escenas de la manifestación y el juicio lo dejan bien claro).

Además se nos pone de manifiesto, una vez más, lo importante que es que las mujeres puedan acceder a la educación. Una vez en la escuela, Osama no se diferencia mucho de sus compañeros, a los cuales les preocupa que no pueda escalar un árbol por ser una niña(de nuevo los niños influidos - mal - por sus mayores).

La escena más impactante de la película es el final de la misma, cuando el mullah procede a su baño ritual para limpiar sus impurezas (qué hipócrita!) y podemos ver en un breve flash back que hiela la sangre a la pequeña protagonista saltando a la cuerda en la cárcel, quizás sus últimos momentos como lo que era y le obligaron a dejar de ser, una niña.

¿EL ANSIA? (TONY SCOTT, 1983)

La historia de Myriam, una pseudo vampira que sobrevive por la eternidad de los tiempos alimentándose de sangre humana. Esa es la sinpsis del film, aunque yo añadiría que esta chupasangres elegante y moderna interpretada de forma soberbia por la fría Catherine Deneuve consigue su inmortalidad absorviendo el amor de sus múltiples amantes, los cuales no le duran demasiado para su desgracia (es que ya se le acumulan en el trastero a la pobre).

La película es una versión ochentera (y un tanto trasnochada) del mito de los vampiros, con una puesta en escena muy de anuncio de perfumes como Vandervilt (o lo que es peor: Farala. Agg!), con tanta cortina al vuelo y ese tonito dorado de la película. Los personajes (exceptuando a los interpretados por la mencionada Deneuve y el estupendo John de David Bowie - que pena que se nos desaparezca tan pronto) son prototipos de la sociedad modernilla neoyorquina, desde los yonquis de discoteca a lo George Michael hasta la niña entrometida y liberal que parece un niño, pasando por el freakie de los patines y, por supuesto, los dos tipos que se meten con una de las protagonistas porque está llamando por teléfono, ocupando así la cabina que parece ser de su propiedad (que papelón, Dafoe!).

A destacar el vestuario del matrimonio protagonista, y la banda sonora con piezas de Delibes y Schubert. Terribles las momias egipcias (nunca mejor dicho!), y el catálogo de obras de arte con el que nos deleita Myriam (que tía más sobrada!).

Se deja ver (a ratos).

¿POR QUÉ NO NOS ENTENDEMOS?... SOMOS MUY DISTINTOS

Interesante trabajo de Alejandro González Iñarritu, Babel promete mucho después de tanto premio y tanta buena crítica.

Tras haber revisado su cinta anterior, 21 gramos (avalada por las excelentes intepretaciones de Sean Penn, Benicio del Toro y Naomi Watts) me esperaba un film mucho más elaborado. Sin embargo, esto no es su punto malo, sino que el fallo, para mi gusto, es lo excesiva que resulta la película en todos los niveles. Es excesiva en cuanto a metraje, en cuanto a imágenes totalmente innecesarias, en cuanto a música sobre todo...

Pero no por ello es un mal film. Si bien lo malo parece ser lo que más pesa, en seguida salen a relucir sus virtudes. Babel nos presenta un mundo a tres bandas conectadas (aunque en el caso de Japón la conexión es más bien surrealista), un mundo globalizado en el que, sin embargo, la gente no tiene demasiado en común. Y la barrera no es el lenguaje precisamente.

Me gusta la idea de contraponer los tipos infantiles o pseudo-adolescentes en los distintos países: qué diferentes son Michael y Hassan. Mientras el primero se preocupa por el hecho de ir a México ("tierra peligrosa"), el otro ha de velar por la seguridad de sus cabras fusil en mano.

Y que decir de Chieko. Siendo sordomuda su problema principal no es la incomunicación, sino la crueldad de una sociedad que no acaba de aceptar a los diferentes. Para mí es la mejor historia de las tres, y eso que queda sin resolución, al igual que el resto de la película (yo agradecería saber qué pasa con Santiago, por ejemplo, y aunque no sea lo importante de la peli).

Por eso creo que es un buen film, pero que hay que verlo con sobreaviso: es muy distinto, pero a la vez muy semejante a lo anterior del cineasta. No sé si me explico. Pues eso.

LA PRINCESA MONONOKE

La princesa Mononke (2000), un cuento maravilloso visualizado en la mente de Hayao Miyazaki con imágenes tan espléndidas como la del bosque que podéis ver arriba.

Al principio, y para una no iniciada al cine manga como la que aquí escribe, la historia desconcierta un poquito, pero en seguida te haces con los nombres y, sobre todo, con los demonios japoneses, tan arriagados en la cultura oriental y tan atrayantes para los occidentales.

Como no tengo mucha idea de este género de cine, sólo puedo aportar mi opinión como espectadora. Lo cierto es que me gustó, y, aunque la programaron un poco tarde en la TV, aguanté despierta con agrado. La historia ecológica nos muestra un trasfondo de amor por las tradiciones de los pueblos, algo que en ocasiones pasamos por alto, pero que en un mundo globalizado es imprescindible saber quiénes somos.

Lo mejor, los pequeños seres ruidosos del bosque (no recuerdo el nombre :(

Krisish, Jacarma, ayuda con vuestros comentarios!

Lo que sí es seguro es que a partir de ahora veré más cine de este tipo.

MERI CHRIST +

Pues nada, aquí me tenéis revisando mi árbol navideño casero del 2005 (que no, que no soy la madrastra de Blancanieves preparando la manzanita de marras).

Para que veáis que memoria de bolboreta es un espacio al que también llega la Navidad (no tan pronto como en otros sitios porticados, y no miro a nadie...), pero a tiempo.

Estas pseudo-vacaciones (no puedo permitirme mucho descanso, por desgracia) serán un tiempo para poder ver más películas que luego compartiré con vosotros.

Pero por ahora me despido hasta el próximo año.

FELIZ NAVIDAD Y UN 2007 LLENO DE BUENOS DESEOS, MEJORES MOMENTOS Y, COMO NO, ¡¡¡¡MUCHO CINE!!!!

Biquiños de bolboreta para todos.

EL CAMINO DE LOS INGLESES

Interesante proyecto (muy personal) de Antonio Banderas.
Con el guión de su amigo Antonio Soler y la música de otro amigo, Antonio Meliveo (que tres!), nos propone el acercamiento a una pandilla de amigos que sueñan con lo que quieren y lo que no quieren ser en un futuro que ya no les queda muy lejano.
Teniendo a un protagonista más destacado en Miguelito (con un aceptable Alberto Amarilla), es, sin embargo otro de los personajes el que más me interesa: Babirusa, interpretado por Raúl Arévalo. Por una vez en mi vida estoy de acuerdo con Cayetana Guillén Cuervo (y sin que sirva de precedente), que lo ha considerado, hablando de esta peli, como el Sean Penn español. Tal vez sea un poco pronto denominarlo así, pero la cosa promete. Babirusa es el personaje más loco pero, a la vez, el más realista, el que mejor sabe como son las cosas, el que, aunque desencantado de la vida, reacciona y sigue adelante (y eso que, para una vez que no hace nada, se ve entre rejas).
Sin embargo, el resto de los personajes son más idealistas (que decir de Miguelito), tienen más pájaros en la cabeza, y esperan que todo vaya bien cuando, desde un principio, el espectador entrevé que no va a ser así.
Banderas busca la imagen bella, lo poético, algo que ya se ve desde el inicio en el quirófano (hermosa imagen la de la bailarina con el tutú rojo).
El malagueño, con una buena labor como director de actores, promete.

NATIVIDAD

Qué decir de una película como esta, después de ver cintas y cintas sobre el tema (y las que me quedan...).
La intención de Catherine Hardwick no es mala. Como he leído en alguna página de internet, la cineasta pretende dar una visión más humanizada de los que fueron los padres terrenales de Jesús de Nazaret. Sin embargo, los inicios de la película no prometen más que lo que pueda ofrecer un telefilm de esos de sábado por la tarde: el culebrón de una joven que se queda embarazada, el desprecio de sus vecinos (qué malos!), la mirada alucinada de un José que no sabe si cortarse las venas o dejárselas largas... Por no hablar de los Reyes Magos, tres tipos curiosos y bastante flipados.
En cuanto al tema a tratar, he de decir que es muy fiel a los Evangelios (creedme, que en esto estoy muy puesta), con la salvedad de que trata de restituirle algo de importancia a la figura de José como educador de Jesús (que gran descubrimiento Oscar Isaac!).
Los actores no son muy allá, pero se dejan ver. Me gustó también el rey Herodes, que es presentado como un personaje desquiciado por su obsesión con el poder.
Lo que me llamó mucho la atención son los parajes donde se rodó el film: Matera. Para los que no lo sepáis, es una zona de Italia que destaca por sus perfiles pedregosos. Pues bien, parece ser que Hardwick quiso rodar en Palestina, pero la encontró tal y como se imaginaba (desde el siglo I todo ha cambiado mucho), así que decidió emular a Pier Paolo Pasolini, que siguió exáctamente los mismos pasos para encontrar las localizaciones para El Evangelio según San Mateo. ¡Qué cosas!

MADRE E HIJO O EL AMOR QUE ENTRA POR LOS OJOS

Sokurov destila poesía pura en las imágenes de este film de 1997.

La historia no tiene nada de otro mundo: un hombre cuida de su madre enferma en los últimos días de su vida, dentro de un entorno que hiela al espectador, que nota ese frío que cala los huesos. Sin embargo, lo áspero del clima se ve contrarrestado por la calidez del amor que le profesa el hijo a su madre.

Trabajando con unas imágenes deformadas hasta lo imposible, con un formato tremendamente vertical y estirado, el cineasta ruso consigue unos efectos de luces y sombras que acompañan a unos silencios que expresan más que las palabras. ¡Qué imágenes!

Hace algún tiempo, en un curso sobre cine el conferenciante que me descubrió la película comentó que era un film difícil de ver, porque no hablaban nada! A estas alturas considero que eso no debe ser impedimento para valorar este tipo de cine, y mucho menos para catalogarlo como malo, o desechable.

En mi experiencia, me quedé de piedra al ver esta película.

¿Habéis experimentado alguna vez un sentimiento de belleza tan fuerte que hace que se te salten las lágrimas?

Ahora tendré que ver Padre e hijo, y Arca rusa, y...

HASTA SIEMPRE PHILIPPE!

El 23 de Noviembre se nos ha ido uno de los actores franceses más grandes (en todos los sentidos).
Realmente he sentido pena al enterarme de la noticia. Tal vez sea porque, al verlo, siempre me acordaba de Cinema Paradiso (G. Tornatore), y de su buen trabajo al interpretar al bondadoso Alfredo. O quizás porque, al escribir el artículo sobre Zazie en el metro (L. Malle), vi la película tantas veces que sus personajes se convirtieron en algo familiar. Su personaje, el tío Gabriel, peca tanto de excéntrico como de educado y agradable. Y pienso que estos papeles no se los ofrecían por casualidad.
Desde aquí mi recuerdo a su trabajo y a su memoria.

MODIGLIANI (MICK DAVIS)

Menuda semana de cine y artistas. Lo último que he visto es el film de Mick Davis: Modigliani.

Salí tremendamente emocionada del cine. Es una historia que siempre me parecerá demasiado triste y demasiado hermosa.

Y qué decir de la película... Desde un primer momento se nos avisa de que lo que en ella se va a contar no tiene apenas parecido con la realidad, sino que son unos hechos ficcionados por el propio Davis a partir de la vida del pintor livornés afincado en París, una ciudad tomada por los artistas y por el Arte, habitada por una sociedad bohemia que está muy bien reflejada en la película. Por eso noi podemos tomarnos la rivalidad entre Modi y Picasso como algo muy verídico (es más, ambos sentían una admiración recíproca).

Con unos parecidos físicos más que respetables, los distintos artistas y personajes del mundillo que rodeabam a Modi y a su querida Jeanne, conforman un universo de extravagancias y excesos, que, junto con una tuberculosis mal curada, fueron los que llevaron a Modigliani a la tumba a una edad temprana.

Me encanta cómo está retratada la sociedad del París de la época, me gustan los actores y me gusta la historia, aunque esté plagada de licencias. Lo único que falla, más bien chirría, es el pedazo de videoclip que se marca Davis en el momento en que los artistas preparan sus obras para el concurso de pintura (¿se puede saber a qué viene eso?).

Si comparo Klimt (R. Ruiz) y Modigliani, me sorprendo al ver cómo pueden ser tan contradictorias las emociones que me despiertan ambos, incluso sabiendo que narran las historias de dos de los pintores a los que más admiro.

Ésta sí que os la recomiendo. Y llevad pañuelos.

KLIMT (RAOUL RUIZ)

Un biopic más. Esa es la sensación que me queda al ver la última película de Raoul Ruiz, que cuenta los últimos momentos de Gustav Klimt, moribundo e internado en una clínica, mientras repasa de forma alucinada lo que ha sido el final de su vida.
Los inicios del film parecen prometer (sobre todo con escenas como la de la rotura del espejo en mil pedazos, recreando en ellos la atmósfera mágica que inunda los retratos pintados por el artista vienés, o con personajes como el de Midi, que parece salida de uno de sus cuadros), sin embargo, Ruiz pronto se pierde en una marea de confusos datos, que, a mi parecer, buscan demasiadas veces el referente de F for fake, de Welles. Todo lo que allí se ve es producto de la imaginación del cineasta, y no de Klimt.
Esperaba encontrarme con un mundo de colores y de formas modernistas, con un estudio más detallado de los numerosos personajes que enriquecían la cultura de la Vienay París (el choque de genios entre Klimt y Méliès podía haber sido más explotado) de principios de siglo XX, con una recreación fidedigna e interesante de la sociedad de la época...
Y el poso que me queda es que la película no está a la altura de un artista como Gustav Klimt.
Ni siquiera John Malkovitch está a la altura del personaje (¿qué me pasa, doctor?).

GRIZZLY MAN

¡Qué documental! Herzog no se limita a mostrar al mundo las imágenes grabadas por Timothy Treadwell durante 13 veranos en la isla de Kodiak, sino que desvela la verdadera personalidad de un supuesto héroe, que al final no lo es tanto, y que se queda en la figura de un maníaco obsesivo y compulsivo que dedicó parte de su vida a huir, escondiéndose entre los humanos entre los que consideraba sus iguales: los osos grizzly.
La imágenes son de una gran belleza, destacando los animales, hermosamente captados por la cámara del fundador de Grizzly People. Todos ellos poseen un nombre, algo que resulta contradictorio, porque, ¿para qué humanizar a aquellos que se supone lo iban a salvar de los hombres?
Interesante la"actuación" del médico forense, y como pega, la no inclusión de los sonidos hallados en la que fue la última grabación de Tredawell. Creo que todos los espectadores esperábamos que Herzog sucumbiese a la tentación.
Recomendada!

...

Esta vez el post va sin título, porque me gustaría que se lo pusiérais vosotros.
¿Qué os sugiere la imagen?

SINESTESIA

"Su voz parecía venir a través de varias capas de lana..."

Truman Capote escribió estas palabras en uno de sus cuentos cortos. ¿Alguna vez habéis percibido con uno de vuestros sentidos algo que necesariamente debería percibirse con otro?

Dicen que los sinestésicos pueden gustar sabores al contemplar una obra de arte, o al oír determinada melodía (entre otras cosas).

Yo quiero sentirme así. Poder interrelacionar todas mis sensaciones. Pensar en alguien y aplicarle un sonido, olor, sabor...

La globalización física puede ser posible en cada uno. Sólo tenemos que pararnos a sentir.

SIN PALABRAS

Como en una película muda... A veces el silencio es lo más cómodo para todos, las preguntas son molestas y la mente se cansa de buscar respuestas.
Pero esa etapa se acabó. Deseo, ansío volver a la niñez y preguntarme por todo: ¿Por qué? ¿Por qué? ¿Por qué?







Comienza una nueva era con interrogantes.
Tratemos de dar respuesta a aquello que nos inquieta.
Aquí tenéis un espacio para preguntaros lo que más os preocupa en estos momentos. Entre todos será más fácil hallar la solución, si es que la hay.

PUES YO... OS MIRO A VOS

Os esoty observando desde os baños del CGAC.
Cuidado con lo que hacéis!

CORTÁZAR SE VISTE DE OTOÑO

Y TÚ... ¿QUÉ MIRAS?
El Otoño compostelano abre una puerta hacia el universo de Julio Cortázar. Estos meses lluviosos estás siendo impregnados por una mirada distinta de la realidad. Se impone esa lupa que utiliza el escritor argentino, el ver más allá.
Combino mi visita a la exposición (es interesante caminar bajo la atenta mirada de Cortázar, recién salido de una film Nouvelle Vague, con un aire pretendidamente distraído, pero observante de tus movimientos, con su cigarro y su gabardina lluviosa), con el inicio de una nueva experiencia: el taller Cuaderno del paseante, organizado por el CGAC.
Desde un principio, la idea es interesante, con una propuesta dinámica que invita a relacionar Arte y Educación, a través de un proyecto personal, pero no por ello individual, cuya finalidad es abrir la mirada, y aplicar todo lo aprendido a ambos campos (quizás debieran ser uno solo).
Así que con este nuevo curso comienzan nuevas experiencias, y nuevas vivencias, en las que voy a participar con los ojos bien abiertos.
Y vosotros... ¿qué miráis?

CHARADA

Ayer tuve la oportunidad de ver, dentro del ciclo París visto por el cine norteamericano, la maravillosa película de Stanley Donen (1963).
Lo cierto es que me encantó esa mezcla de humor irónico (sobre todo por el personaje de Cary Grant: Peter? Adam? Brian?), con el suspense típico de las películas de Hitchcock, al cual se le rinde un más que merecido homenaje, lo cual no deja de ser curioso, ya que el cineasta británico afirmaba detestar los films de "whodunit" (a pesar de que realizó unos cuantos en su carrera).
El trabajo de los actores es magnífico (todos, ya que no desmerece en absoluto la presencia del trío de malos interpretado por james Coburn, George Kennedy y Ned Glass, sin olvidar al magnífico Walter Matthau), al igual que la banda sonora creada por Henri Mancini, que crea ese clima de suspense que te atrapa desde el mismo comienzo de los créditos.
Y por cierto, ¿qué significa la palabra "charada"? Lo que escontrado es esto: "Una charada es una composición, generalmente en verso, en la que se sustituyen determinadas palabras por números que representan sílabas de la palabra clave. Así, si la clave es peseta, "segunda tercera" o "dos tres" sería seta; "tres primera" sería tape, etc.
El objetivo de la charada es, por supuesto, adivinar cuál es la palabra clave o solución.
Las charadas tuvieron mucha fama allá por los años 10 y 20 de nuestro siglo, y no había revista o calendario de taco que no contuviera alguna".
Pues nada, que ya tenemos un nuevo entretenimiento para no aburrirnos en Valladolid.

SALVADOR PUIG ANTICH

Ayer pude ver, por fin, Salvador Puig Antich, de Manuel Huerga (2006). Lo cierto es que me ha gustado la segunda película de este cineasta, hasta ahora desconocido para mí.

Es una de las tres pelis seleccionadas para entrar en la quiniela de los Oscars, y una vez vistas las tres, creo que ésta es la que merece entrar en competición, aunque soy realista, y me espero la candidatura de Alatriste (ese capitán con la bolsa llena de eiros tiene que ser rentabilizado, o no?).

Pues a lo que iba, Salvador Puig Antich nos narra la historia de el anarquista del mismo nombre que fue sentenciado a pena de muerte con garrote vil. La historia está muy bien contada, sin embargo en algunos momentos cae en el puro sentimentalismo y pierde algo de fuerza (el final con las tres hermanas, y la pequeña en el colegio se hace demasiado largo y excesivamente lacrimógeno).

Me gustan los actores (que grande Antonio Dechent), muchos sacados de esa nueva hornada que está imprimiendo un aire de frescura y renovación del plantel actoral español (que pena de Leonardo Sbaraglia, que para mi gusto no sirve para hacer un papel de duro que se vuelve blandito de repente - un fallo. Y es que rebosa ternura por todos los poros de su piel, no hay más que ver el abrazo en el que se fundió con Max von Sydow al entregarle el premio Donosti).

También me gusta la estética del film, con una luz electrizante y un aire setentero muy conseguido. Atención a la banda sonora: la primera canción pertenece a mis muy admirados Iron Butterfly (In - a - gadda - da- vida).

Puede que algunos la hayáis reconocido. Sí, es mi canción favorita del Fuzztone.

Pues eso, que os animo a ver la peli si no la hebéis visto. Aunque estad preparados, porque en algunos momentos resulta dura, y como ya digo, muuuyyy lacrimógena. Llevad pañuelos de papel!

BELLA AUDREY

Esta ha sido la semana Hepburn.
Por mi cuenta he visto Vacaciones en Roma, la película que fue su lanzamiento al estrellato, y con motivo. En 1953, Audrey era una joven desconocida, hasta que Wyler se fijó en ella. Desde entonces, no se pudo bajar del carro de la fama y el estrellato, ya que ese mismo año, y gracias a la oportunidad que se le brindó con esta película, fue galardonada con el Oscar a la mejor actriz.
La segunda película que he visto (las estoy viendo cronológicamente, además, para que veáis), es Sabrina, dentro de un ciclo recién inaugurado por José Luis Castro de Paz, acerca de la visión de París en las pelis norteamericanas. Audrey continua en su línea de joven encantadora, que acaba enamorando hasta al gélido de Bogart en uno de sus papeles de blandito (su agente quería suavizar su imagen con papeles como este).
¡Qué buena forma de pasar el tiempo! Después de ver estas cintas es inevitable verte reflejado en los espejos con una gran sonrisa colgada de tus labios. Todo se soluciona (o no. ¡Qué pena me da Gregory Peck saliendo del tremendo palacio romano! Pero todos sabemos que es lo que deben hacer).
Seguiré con esta línea de cine clásico que siempre deja buen sabor de boca. Y como diría la rana Gustavo... seguiré informando!