UN SOPLO EN EL CORAZÓN: ¡BIENVENIDO LOUIS!

Esta semana tocaba seguir con las películas de Louis Malle que muy acertadamente están siendo programadas por TVE en su versión interesante = La 2 (aunque la hora no sea la mejor, pero por suerte contamos con nuestro amigo el vídeo). Así que pude ver (por fin!) una de sus cintas más polémicas (y cuál no lo es?), ya que muestra una relación demasiado afectuosa entre una madre un tanto liberal y su hijo adolescente (con adolescente ya se dice todo).
La historia está muy bien contada, y los actores hacen unos buenos papeles (Malle siempre acertó trabajando con niños - una constante en su carrera -, mostrándonos su visión de la vida a través de los ojos de éstos). Se inicia con la que podrá ser la historia de cualquier familia acomodada (o muy acomodada) de finales de losa años 60, con sus problemas típicos: un matrimonio que resulta ser una farsa, los hijos adolescentes que despiertan a la vida (aunque, para mi gusto son demasiado intelectuales para tener 15 ó 17 años)... trama que poco a poco nos va llevando a un final que se prevé como inevitable en la mente del espectador (lo que nos haces pensar Malle!).
Con un poco de suerte me veré todas los films de este director francés que hay que reivindicar como uno de los grandes.

LA REINA DE ÁFRICA (JOHN HUSTON, 1951)

¿Qué decir de esta obra maestra del cine de todos los tiempos? El pasado sábado tuve la gran alegría de poder ver esta película en la TV (demos gracias a Dos, que en estos últimos tiempos se están portando). Con una sencillez que impregna todos y cada uno de los momentos memorables de esta cinta, John Huston nos regala el pasar un buen rato acompañados por dos de los grandes: Humphrey Bogart, que deja a un lado su cara de duro y sonríe durante toda la película dándonos un personaje totalmente entrañable (ahora entiendo el porqué de no hacerlo a menudo), y una Katherine Hepburn elegante donde las haya.
Es una película hermosa y muy recomendable para pasar un rato agradable, surcando los rápidos en esa bañera ingenuamente denominada La reina de África. ¡Chapó!

EL TRUCO FINAL (EL PRESTIGIO) O EL ATAQUE DE LOS CLONES

La última película de Christopher Nolan está a la altura de títulos como Memento (2000). Con un interesante y bien trabajado juego de flash backs y distintos puntos de vista, el cineasta nos pone en conocimiento acerca del mundo de magos e ilusionistas de la Inglaterra del XIX.

La magia la ponen los actores, unos estupendos Hugh Jackman y Christian Bale, secundados por el no menos acertado Michael Caine, un ingeniero dedicado al mundo de las ilusiones que observa, sin poder hacer nada, cómo sus dos pupilos se baten en una cruel lucha por hallar el mejor truco de magia.
La película es muy interesante en todo su metraje; sin embargo, con la entrada en escena del personaje interpretado por David Bowie (en el mes de su 60 cumpleaños está en todas partes), Tesla - por otro lado, personaje totalmente verídico y real - el film cae en un ilusionismo que culmina en el final, donde se desvela el truco del personaje interpretado por Jackman, y que le confiere a la película un toque de fantasía demasiado increíble. Para mi gusto es lo peor del film. Pero le doy una alta puntuación y lo recomiendo. Nolan, ¡qué grande eres!

LOTTE REININGER

Desde aquí mi más sincero homenaje a esta alemana que supo hacer de la animación europea un verdadero encaje de bolillos (literalmente).

El otro día tuve la suerte de poder ver Las aventuras del Príncipe Ahmed dentro del ciclo de cine del CGAC con motivo de la exposición Cuentos Digitales (muy interesante, todo sea dicho).

Ya conocía algo de la obra de esta alemana, pero al ver la película entera me quedé alucinada.

En 1926 se puso punto final a este mediometraje de 65 minutos que se había iniciado 3 años antes. Todo lo que se ve en la pantalla está hecho con siluetas recortadas por esta artista y su equipo.

La historia es muy entretenida y, aunque los intertítulos están en alemán e inglés se entiende perfectamente. Tiene mucho de Las 1000 y una noches, mucho vestuario y tocados orientales, palacios, brujas, malos, príncipes y reyes; y, además, es la primera película de animación europea.

La imagen que tenéis más arriba es una pequeña muestra del film, pero en ella se puede apreciar el cuidado y la meticulosidad que se puso en el recorte y el diseño de las figuras.

Es una verdadera joya. Espero poder ver más.

CUBE O EL CUBO DE RUBBICK ES PELIGROSO

Si, todo lo que dice este cartel es cierto. Miedo, paranoia, sospecha, desesperación...

La película de Vincenzo Natali, rodada en 1997, es una verdadera sorpresa, por lo menos para mí, que apenas conocía el argumento. Seis personas totalmente dispares han de unir sus fuerzas para lograr escapar de una trampa mortal cuyo mecanismo desconocen, pero que acabarán descubriendo, tras algunas pérdidas eso sí.

La tensión y el miedo se hacen presentes desde la primera escena que resulta estremecedora, y el nudo en el estómago no se deshace hasta que vuelve a la luz (no voy a desvelar más, que si no la destripo).

Pues eso, que si queréis pasar un mal rato con una buena película de ciencia ficción y terror psicológico, Cube puede ser una buena elección, con sus decorados minimalistas, con una trama matemática y con seis actores que dejan un buen sabor de boca, y un argumento que te va sorprendiendo (aunque lo del policía estaba cantado). Recomendada.

CUBE O EL CUBO DE RUBBICK ES PELIGROSO

Si, todo lo que dice este cartel es cierto. Miedo, paranoia, sospecha, desesperación...

La película de Vincenzo Natali, rodada en 1997, es una verdadera sorpresa, por lo menos para mí, que apenas conocía el argumento. Seis personas totalmente dispares han de unir sus fuerzas para lograr escapar de una trampa mortal cuyo mecanismo desconocen, pero que acabarán descubriendo, tras algunas pérdidas eso sí.

La tensión y el miedo se hacen presentes desde la primera escena que resulta estremecedora, y el nudo en el estómago no se deshace hasta que vuelve a la luz (no voy a desvelar más, que si no la destripo).

Pues eso, que si queréis pasar un mal rato con una buena película de ciencia ficción y terror psicológico, Cube puede ser una buena elección, con sus decorados minimalistas, con una trama matemática y con seis actores que dejan un buen sabor de boca, y un argumento que te va sorprendiendo (aunque lo del policía estaba cantado). Recomendada.

OSAMA... ¿CUÁNTAS MÁS COMO ELLA?

La historia de Osama, escrita y dirigida por Siddiq Barmak en el año 2003, da forma a un film terriblemente necesario.

Cuenta cómo habían (y todavía han) de vivir las mujeres afganas, sometidas a las leyes machistas impuestas por los talibanes y, aunque derogadas tras la invasión estadounidense, todavía muy vigentes.

Qué triste el miedo de esta gente y con qué facilidad se hace y deshace en las vidas de los que están oprimidos.

Con una puesta en escena totalmente realista (y, en ocasiones, precaria), el director afgano trata de alzar su voz para que así se escuche la de estas mujeres que tras el burka no son capaces de expresarse (las escenas de la manifestación y el juicio lo dejan bien claro).

Además se nos pone de manifiesto, una vez más, lo importante que es que las mujeres puedan acceder a la educación. Una vez en la escuela, Osama no se diferencia mucho de sus compañeros, a los cuales les preocupa que no pueda escalar un árbol por ser una niña(de nuevo los niños influidos - mal - por sus mayores).

La escena más impactante de la película es el final de la misma, cuando el mullah procede a su baño ritual para limpiar sus impurezas (qué hipócrita!) y podemos ver en un breve flash back que hiela la sangre a la pequeña protagonista saltando a la cuerda en la cárcel, quizás sus últimos momentos como lo que era y le obligaron a dejar de ser, una niña.

¿EL ANSIA? (TONY SCOTT, 1983)

La historia de Myriam, una pseudo vampira que sobrevive por la eternidad de los tiempos alimentándose de sangre humana. Esa es la sinpsis del film, aunque yo añadiría que esta chupasangres elegante y moderna interpretada de forma soberbia por la fría Catherine Deneuve consigue su inmortalidad absorviendo el amor de sus múltiples amantes, los cuales no le duran demasiado para su desgracia (es que ya se le acumulan en el trastero a la pobre).

La película es una versión ochentera (y un tanto trasnochada) del mito de los vampiros, con una puesta en escena muy de anuncio de perfumes como Vandervilt (o lo que es peor: Farala. Agg!), con tanta cortina al vuelo y ese tonito dorado de la película. Los personajes (exceptuando a los interpretados por la mencionada Deneuve y el estupendo John de David Bowie - que pena que se nos desaparezca tan pronto) son prototipos de la sociedad modernilla neoyorquina, desde los yonquis de discoteca a lo George Michael hasta la niña entrometida y liberal que parece un niño, pasando por el freakie de los patines y, por supuesto, los dos tipos que se meten con una de las protagonistas porque está llamando por teléfono, ocupando así la cabina que parece ser de su propiedad (que papelón, Dafoe!).

A destacar el vestuario del matrimonio protagonista, y la banda sonora con piezas de Delibes y Schubert. Terribles las momias egipcias (nunca mejor dicho!), y el catálogo de obras de arte con el que nos deleita Myriam (que tía más sobrada!).

Se deja ver (a ratos).

¿POR QUÉ NO NOS ENTENDEMOS?... SOMOS MUY DISTINTOS

Interesante trabajo de Alejandro González Iñarritu, Babel promete mucho después de tanto premio y tanta buena crítica.

Tras haber revisado su cinta anterior, 21 gramos (avalada por las excelentes intepretaciones de Sean Penn, Benicio del Toro y Naomi Watts) me esperaba un film mucho más elaborado. Sin embargo, esto no es su punto malo, sino que el fallo, para mi gusto, es lo excesiva que resulta la película en todos los niveles. Es excesiva en cuanto a metraje, en cuanto a imágenes totalmente innecesarias, en cuanto a música sobre todo...

Pero no por ello es un mal film. Si bien lo malo parece ser lo que más pesa, en seguida salen a relucir sus virtudes. Babel nos presenta un mundo a tres bandas conectadas (aunque en el caso de Japón la conexión es más bien surrealista), un mundo globalizado en el que, sin embargo, la gente no tiene demasiado en común. Y la barrera no es el lenguaje precisamente.

Me gusta la idea de contraponer los tipos infantiles o pseudo-adolescentes en los distintos países: qué diferentes son Michael y Hassan. Mientras el primero se preocupa por el hecho de ir a México ("tierra peligrosa"), el otro ha de velar por la seguridad de sus cabras fusil en mano.

Y que decir de Chieko. Siendo sordomuda su problema principal no es la incomunicación, sino la crueldad de una sociedad que no acaba de aceptar a los diferentes. Para mí es la mejor historia de las tres, y eso que queda sin resolución, al igual que el resto de la película (yo agradecería saber qué pasa con Santiago, por ejemplo, y aunque no sea lo importante de la peli).

Por eso creo que es un buen film, pero que hay que verlo con sobreaviso: es muy distinto, pero a la vez muy semejante a lo anterior del cineasta. No sé si me explico. Pues eso.

LA PRINCESA MONONOKE

La princesa Mononke (2000), un cuento maravilloso visualizado en la mente de Hayao Miyazaki con imágenes tan espléndidas como la del bosque que podéis ver arriba.

Al principio, y para una no iniciada al cine manga como la que aquí escribe, la historia desconcierta un poquito, pero en seguida te haces con los nombres y, sobre todo, con los demonios japoneses, tan arriagados en la cultura oriental y tan atrayantes para los occidentales.

Como no tengo mucha idea de este género de cine, sólo puedo aportar mi opinión como espectadora. Lo cierto es que me gustó, y, aunque la programaron un poco tarde en la TV, aguanté despierta con agrado. La historia ecológica nos muestra un trasfondo de amor por las tradiciones de los pueblos, algo que en ocasiones pasamos por alto, pero que en un mundo globalizado es imprescindible saber quiénes somos.

Lo mejor, los pequeños seres ruidosos del bosque (no recuerdo el nombre :(

Krisish, Jacarma, ayuda con vuestros comentarios!

Lo que sí es seguro es que a partir de ahora veré más cine de este tipo.

MERI CHRIST +

Pues nada, aquí me tenéis revisando mi árbol navideño casero del 2005 (que no, que no soy la madrastra de Blancanieves preparando la manzanita de marras).

Para que veáis que memoria de bolboreta es un espacio al que también llega la Navidad (no tan pronto como en otros sitios porticados, y no miro a nadie...), pero a tiempo.

Estas pseudo-vacaciones (no puedo permitirme mucho descanso, por desgracia) serán un tiempo para poder ver más películas que luego compartiré con vosotros.

Pero por ahora me despido hasta el próximo año.

FELIZ NAVIDAD Y UN 2007 LLENO DE BUENOS DESEOS, MEJORES MOMENTOS Y, COMO NO, ¡¡¡¡MUCHO CINE!!!!

Biquiños de bolboreta para todos.

EL CAMINO DE LOS INGLESES

Interesante proyecto (muy personal) de Antonio Banderas.
Con el guión de su amigo Antonio Soler y la música de otro amigo, Antonio Meliveo (que tres!), nos propone el acercamiento a una pandilla de amigos que sueñan con lo que quieren y lo que no quieren ser en un futuro que ya no les queda muy lejano.
Teniendo a un protagonista más destacado en Miguelito (con un aceptable Alberto Amarilla), es, sin embargo otro de los personajes el que más me interesa: Babirusa, interpretado por Raúl Arévalo. Por una vez en mi vida estoy de acuerdo con Cayetana Guillén Cuervo (y sin que sirva de precedente), que lo ha considerado, hablando de esta peli, como el Sean Penn español. Tal vez sea un poco pronto denominarlo así, pero la cosa promete. Babirusa es el personaje más loco pero, a la vez, el más realista, el que mejor sabe como son las cosas, el que, aunque desencantado de la vida, reacciona y sigue adelante (y eso que, para una vez que no hace nada, se ve entre rejas).
Sin embargo, el resto de los personajes son más idealistas (que decir de Miguelito), tienen más pájaros en la cabeza, y esperan que todo vaya bien cuando, desde un principio, el espectador entrevé que no va a ser así.
Banderas busca la imagen bella, lo poético, algo que ya se ve desde el inicio en el quirófano (hermosa imagen la de la bailarina con el tutú rojo).
El malagueño, con una buena labor como director de actores, promete.

NATIVIDAD

Qué decir de una película como esta, después de ver cintas y cintas sobre el tema (y las que me quedan...).
La intención de Catherine Hardwick no es mala. Como he leído en alguna página de internet, la cineasta pretende dar una visión más humanizada de los que fueron los padres terrenales de Jesús de Nazaret. Sin embargo, los inicios de la película no prometen más que lo que pueda ofrecer un telefilm de esos de sábado por la tarde: el culebrón de una joven que se queda embarazada, el desprecio de sus vecinos (qué malos!), la mirada alucinada de un José que no sabe si cortarse las venas o dejárselas largas... Por no hablar de los Reyes Magos, tres tipos curiosos y bastante flipados.
En cuanto al tema a tratar, he de decir que es muy fiel a los Evangelios (creedme, que en esto estoy muy puesta), con la salvedad de que trata de restituirle algo de importancia a la figura de José como educador de Jesús (que gran descubrimiento Oscar Isaac!).
Los actores no son muy allá, pero se dejan ver. Me gustó también el rey Herodes, que es presentado como un personaje desquiciado por su obsesión con el poder.
Lo que me llamó mucho la atención son los parajes donde se rodó el film: Matera. Para los que no lo sepáis, es una zona de Italia que destaca por sus perfiles pedregosos. Pues bien, parece ser que Hardwick quiso rodar en Palestina, pero la encontró tal y como se imaginaba (desde el siglo I todo ha cambiado mucho), así que decidió emular a Pier Paolo Pasolini, que siguió exáctamente los mismos pasos para encontrar las localizaciones para El Evangelio según San Mateo. ¡Qué cosas!

MADRE E HIJO O EL AMOR QUE ENTRA POR LOS OJOS

Sokurov destila poesía pura en las imágenes de este film de 1997.

La historia no tiene nada de otro mundo: un hombre cuida de su madre enferma en los últimos días de su vida, dentro de un entorno que hiela al espectador, que nota ese frío que cala los huesos. Sin embargo, lo áspero del clima se ve contrarrestado por la calidez del amor que le profesa el hijo a su madre.

Trabajando con unas imágenes deformadas hasta lo imposible, con un formato tremendamente vertical y estirado, el cineasta ruso consigue unos efectos de luces y sombras que acompañan a unos silencios que expresan más que las palabras. ¡Qué imágenes!

Hace algún tiempo, en un curso sobre cine el conferenciante que me descubrió la película comentó que era un film difícil de ver, porque no hablaban nada! A estas alturas considero que eso no debe ser impedimento para valorar este tipo de cine, y mucho menos para catalogarlo como malo, o desechable.

En mi experiencia, me quedé de piedra al ver esta película.

¿Habéis experimentado alguna vez un sentimiento de belleza tan fuerte que hace que se te salten las lágrimas?

Ahora tendré que ver Padre e hijo, y Arca rusa, y...

HASTA SIEMPRE PHILIPPE!

El 23 de Noviembre se nos ha ido uno de los actores franceses más grandes (en todos los sentidos).
Realmente he sentido pena al enterarme de la noticia. Tal vez sea porque, al verlo, siempre me acordaba de Cinema Paradiso (G. Tornatore), y de su buen trabajo al interpretar al bondadoso Alfredo. O quizás porque, al escribir el artículo sobre Zazie en el metro (L. Malle), vi la película tantas veces que sus personajes se convirtieron en algo familiar. Su personaje, el tío Gabriel, peca tanto de excéntrico como de educado y agradable. Y pienso que estos papeles no se los ofrecían por casualidad.
Desde aquí mi recuerdo a su trabajo y a su memoria.

MODIGLIANI (MICK DAVIS)

Menuda semana de cine y artistas. Lo último que he visto es el film de Mick Davis: Modigliani.

Salí tremendamente emocionada del cine. Es una historia que siempre me parecerá demasiado triste y demasiado hermosa.

Y qué decir de la película... Desde un primer momento se nos avisa de que lo que en ella se va a contar no tiene apenas parecido con la realidad, sino que son unos hechos ficcionados por el propio Davis a partir de la vida del pintor livornés afincado en París, una ciudad tomada por los artistas y por el Arte, habitada por una sociedad bohemia que está muy bien reflejada en la película. Por eso noi podemos tomarnos la rivalidad entre Modi y Picasso como algo muy verídico (es más, ambos sentían una admiración recíproca).

Con unos parecidos físicos más que respetables, los distintos artistas y personajes del mundillo que rodeabam a Modi y a su querida Jeanne, conforman un universo de extravagancias y excesos, que, junto con una tuberculosis mal curada, fueron los que llevaron a Modigliani a la tumba a una edad temprana.

Me encanta cómo está retratada la sociedad del París de la época, me gustan los actores y me gusta la historia, aunque esté plagada de licencias. Lo único que falla, más bien chirría, es el pedazo de videoclip que se marca Davis en el momento en que los artistas preparan sus obras para el concurso de pintura (¿se puede saber a qué viene eso?).

Si comparo Klimt (R. Ruiz) y Modigliani, me sorprendo al ver cómo pueden ser tan contradictorias las emociones que me despiertan ambos, incluso sabiendo que narran las historias de dos de los pintores a los que más admiro.

Ésta sí que os la recomiendo. Y llevad pañuelos.

KLIMT (RAOUL RUIZ)

Un biopic más. Esa es la sensación que me queda al ver la última película de Raoul Ruiz, que cuenta los últimos momentos de Gustav Klimt, moribundo e internado en una clínica, mientras repasa de forma alucinada lo que ha sido el final de su vida.
Los inicios del film parecen prometer (sobre todo con escenas como la de la rotura del espejo en mil pedazos, recreando en ellos la atmósfera mágica que inunda los retratos pintados por el artista vienés, o con personajes como el de Midi, que parece salida de uno de sus cuadros), sin embargo, Ruiz pronto se pierde en una marea de confusos datos, que, a mi parecer, buscan demasiadas veces el referente de F for fake, de Welles. Todo lo que allí se ve es producto de la imaginación del cineasta, y no de Klimt.
Esperaba encontrarme con un mundo de colores y de formas modernistas, con un estudio más detallado de los numerosos personajes que enriquecían la cultura de la Vienay París (el choque de genios entre Klimt y Méliès podía haber sido más explotado) de principios de siglo XX, con una recreación fidedigna e interesante de la sociedad de la época...
Y el poso que me queda es que la película no está a la altura de un artista como Gustav Klimt.
Ni siquiera John Malkovitch está a la altura del personaje (¿qué me pasa, doctor?).

GRIZZLY MAN

¡Qué documental! Herzog no se limita a mostrar al mundo las imágenes grabadas por Timothy Treadwell durante 13 veranos en la isla de Kodiak, sino que desvela la verdadera personalidad de un supuesto héroe, que al final no lo es tanto, y que se queda en la figura de un maníaco obsesivo y compulsivo que dedicó parte de su vida a huir, escondiéndose entre los humanos entre los que consideraba sus iguales: los osos grizzly.
La imágenes son de una gran belleza, destacando los animales, hermosamente captados por la cámara del fundador de Grizzly People. Todos ellos poseen un nombre, algo que resulta contradictorio, porque, ¿para qué humanizar a aquellos que se supone lo iban a salvar de los hombres?
Interesante la"actuación" del médico forense, y como pega, la no inclusión de los sonidos hallados en la que fue la última grabación de Tredawell. Creo que todos los espectadores esperábamos que Herzog sucumbiese a la tentación.
Recomendada!

...

Esta vez el post va sin título, porque me gustaría que se lo pusiérais vosotros.
¿Qué os sugiere la imagen?

SINESTESIA

"Su voz parecía venir a través de varias capas de lana..."

Truman Capote escribió estas palabras en uno de sus cuentos cortos. ¿Alguna vez habéis percibido con uno de vuestros sentidos algo que necesariamente debería percibirse con otro?

Dicen que los sinestésicos pueden gustar sabores al contemplar una obra de arte, o al oír determinada melodía (entre otras cosas).

Yo quiero sentirme así. Poder interrelacionar todas mis sensaciones. Pensar en alguien y aplicarle un sonido, olor, sabor...

La globalización física puede ser posible en cada uno. Sólo tenemos que pararnos a sentir.