AMÉLIE A LA COREANA

Acudí presta, rauda y veloz a la proyección de la última película de Park Chan - wook (o al revés, que con el coreano nunca se sabe), Soy un cyborg (2006). Nada más ver el cartel y leer la sinopsis estaba deseosa por verla, quería introducirme en ese sanatorio mental tan colorido, diseñado como si de una guardería se tratase, cuanto antes.
Sin embargo, al poco de empezar a correr la bobina de celuloide me di cuenta de que eran muchas las expectativas para terminar por comprobar que había demasiado de la pequeña francesa que quería hacer feliz a la gente. Y es que el peso del film de Jean - Pierre Jeunet (Amélie, 2001) es tan enorme que acaba por sepultar la originalidad del argumento. Incluso el uso de la banda sonora es tremendamente mimético.
Pero qué se le va a hacer, me dije y me acomodé como pude en la fría butaca que había escogido y me decidí a no dejar que las comparaciones odiosas (¡oh, dioses!) me estropeasen la tarde. Y sí, pude disfrutar, pero sólo en cierto modo, porque se me hizo larga, mucho.
Aún así hay momentos interesantes: el inicio de la historia, realmente complicado de seguir con tres historias a la vez y muy desordenadas; la matanza al ritmo de la música clásica (sí, me recuerda a Kubrick - I´m singing in the rain! -, pero era de esperar); los momentos en los que ella es realmente un cyborg; la violencia que le quita un poco de merengue a la historia de amor que es bonita, para que lo voy a negar; los colorines que inundan la película,...
No sé, es el típico film que le da al espectador una de cal y otra de arena. Ahora sólo me queda recuperar la Trilogía de la venganza, para comprobar si es un director que merece la pena, o no.
Tal vez Kim Ki - duk me deje menos indiferente. Ya lo comprobaréis con vuestros propios ojos.

¿LOS CRONOQUÉEEEEEEEEEEEEE???????

¡Ay! Pues sí, ya he vuelto y, por cierto, ha sido niño. Y es más, regreso con ganas para hacer una de las mías. Ahora lo entenderéis, mis fieles lectores.

Durante estos días en los que no he escrito, me he dedicado a ver algunas películas más o menos interesantes, a saber: El último viaje del juez Feng, Mil años de oración, Antes que el diablo sepa que has muerto…., entre otras. Y ninguna de ellas me ha despertado de mi letargo de amanuense cansada de criticar porque sí, sin un motivo real más que el de seros yo también fiel.

Sin embargo, hoy me he levantado con la imperiosa necesidad de deshacerme en garabatos digitales, de desparramar mis opiniones en este pequeño espacio. Vamos, que ayer estuve mirando Los cronocrímenes (Nacho Vigalondo, 2007), y no es un error gramatical, no, estuve mirando y no viendo, aunque sí estuve escuchando y no oyendo. Ahora desenladrillo el cielo, no os preocupéis.

Una momia rosa o, mejor dicho y más bien, el hombre invisible con un criterio estético muy discutible. Ésa era la información con la que contaba antes de meterme en la ridícula sala del cine al que acudí presta a acompañar a una personita importante. ¿La sala 4? Pues sí, ésa es la confianza que se le otorga al cine español, ya veis. Y da igual qué película sea.

En fin, que comenzó la proyección y desde el principio no pude hacer otra cosa que mirar. Es que no lo pude evitar: Karra Elejalde me impedía la inmersión en la trama, en un argumento que no está mal construido, sino mal interpretado. El propio Elejalde (pues sí, ya tenemos un Bill Murray propio), Bárbara Goenaga (pobrecilla) y, especialmente, el Sr. Vigalondo, que se empeña en aparecer en sus trabajos, tal vez por el miedo a que su sello no sea perceptible desde la mera y pura dirección.

Un guión que, como digo, no estaría mal si no fuese porque se presta a crear un cierto aburrimiento cuando las cosas se repiten una y otra vez, con los mismos planos desde otra perspectiva, y ahí se queda la cosa, ni chicha ni limoná. Lo que comentamos a la salida del cine es que tal vez fuese mejor quitarle minutos al film y dejar un mejor sabor de boca en un espectador que, por lo visto, sale encantado de todas formas. ¿Será que soy muy crítica? No lo sé, o sí que lo sé, pero me molesta que se diga que este tipo de películas salva el cine español porque no es cierto. Porque las ideas nuevas (que no originales) han de ser llevadas a cabo con eficacia, que si no, el esfuerzo es inútil.

Y qué más decir… Pues que de todo este Día de la marmota me quedo con la música de Chucky Namanera (de ahí lo de escuchar, que no oír) y la fotografía de Flavio Labiano, las dos únicas motivaciones de la película. Porque ni siquiera el título funciona: de cronos, unos minutos, pero de crimen no tié ná.

AUTOBOMBO

Bueno, bueno, bueno, culebras... ¿Alguno recuerda que hace unos mesecillos estuve en Getafe en un Congreso la mar de interesante? Pues para el que no lo sepa así fue. Y fruto de mi participación allí con una comunicación sobre la figura de Jesucristo en La última tentación de Cristo (Scorsese, 1988) surgió una colaboración con la revista virtual brasileña O Olho da Historia, dirigida por el profesor Jorge Nóvoa, y versando, esta vez, sobre el tratamiento de la figura crística a lo largo de la Historia del Cine.
Pues bien, ya ha sido publicado y por eso os dejo el link, por si os apetece echarle un óculo.

http://oolhodahistoria.org/artigos/CONGRESO-iconografia-jesucristo-maria-argeles.pdf

ACOPIO DE MATERIAL

Lo sé, lo sé. Pero a veces ocurre que los días están faltos de horas cuando las noches cuentan con horas de más que tal vez estén de más.

Son varias las películas vistas en este intervalo, por lo que la reseña será breve y conjunta para no agotar las neuronas del personal que tan amablemente me lee.

Cuatro meses, tres semanas, dos días (Cristian Mungiu, 2007). Qué decir de este inmenso film rumano, hecho con pocos medios pero con un potencial tan abrumador que te arruga el alma hasta extremos inimaginables. Que me encantó, que salí echa polvo pero feliz de poder pensar en la sala cinematográfica, una vez más, aunque siempre a pesar de los desafortunados comentarios de los vecinos de atrás. Su director Cristian Mungiu, se arriesga con una historia poco alejada de lo cotidiano, en principio, pero que te va dejando de piedra según se desarrolla. No os perdáis la escena final, aunque la señora de detrás se quedó de una pieza: “Pero, ¿ya?” Os dejo con la intriga.

Lo mejor de mí (Roser Aguilar, 2007). Otra peli triste, qué se le va a hacer, que me gusta sufrir, por lo visto y lo ya comprobado. En este caso es la opera prima de Roser Aguilar y la chica promete. Con un reparto bien medido (grande Marián Álvarez) y un argumento enternecedor, me sentí atrapada desde el primer instante en este cuento de amor que acaba… No voy a ser malvada, sólo os digo que, de nuevo, el final es lo mejor y no porque sea el fin, precisamente. Es una historia de dos pequeña y preciosa que os recomiendo. Por cierto, que creo adivinar una nueva forma de hacer cine en Cataluña. Atentos a los movimientos de cámara y a la luz azulada que baña las escenas; a mí me remiten a Tu vida en 65 minutos (2006), de la también catalana María Ripoll.

Rebobine, por favor (Michel Gondry, 2007). Por fin, la película cómica que mi emotividad estaba buscando para descansar un poco las glándulas lacrimales de la tristeza y poner a funcionar las de la carcajada. Los que me seguís desde hace tiempo sabéis que Gondry me gusta especialmente gracias a su poderosa imaginación desbordante, pero es que esta vez se supera al conseguir la risa en cada uno de los fotogramas que componen este homenaje al cine y al formato VHS. Por supuesto, ¡Olvídate de mí! (2004) sigue siendo mi peli favorita del cineasta francés, sin embargo, lo he pasado genial viendo a Jack Black en su salsa, junto con Mos Def y un reparto de secundarios de lujo: Mia Farrow, Sigourney Weaver, Danny Glover… No os la perdáis.

Todos estamos invitados (Manuel Gutiérrez Aragón, 2007). Y por último, la cagada del mes. Siento ser tan explícita, pero es que me da hasta pereza hablar de ella. ¡Qué mala, por Dios! Nada más empezar ya estaba pensando en salirme de la sala, con ese inicio marcado por una música hitchcockiana terrible, pero quise aguantar por ver el trabajo de Jaenada, qué más me hubiera valido irme y seguir teniéndole en estima. ¿Y qué decir de Coronado, con su cara de bífidus permanente? Es que si dijésemos que el guión es bueno, la dirección, la música… yo qué sé. Pero es que no hay nada salvable, salvo el fundido en negro que supone el alivio supremo. En serio, no vayáis a verla, de verdad.

Y esto es todo por hoy. Espero poder actualizar en breve, y con la crítica de un film que aguardo ansiosa como agua de Mayo: Lars y una chica de verdad (Craig Gillespie, 2007).

THE END.

DÉJA VU (II Parte)

Sí, esa es la sensación que me ha dejado la última peli de Wes Anderson. Tres hermanos marcados por un padre que se va y por la ausencia de una madre (guapísima Angelica), que deciden reunirse en el lugar más espiritual del mundo para intentar una reconciliación fraternal.
Tras un inicio original titulado Hotel Chevalier nos adentramos en el increíble mundo de la India, a través de su colorido, porque en realidad hay poco más allá de esto (y el funeral del crío) que nos contextualice la trama.
Hay que reconocer que tiene algún punto bueno y destacaría la labor de cámara, errante y anticipada a los movimientos de los personajes; incluso las ralentizaciones cuando los personajes corren una y otra vez en pos del tren. Pero poco más hay que reseñar. Esa es la pura verdad. Que me he reído un poco, pero que me habría gustado más llorar, porque eso significaría que el viaje ha servido para algo más que para esbozar en unos pocos apuntes desdibujados la situación de incomunicación y soledad de los tres hermanos que se sienten abandonados a su suerte tras la desaparición paterna.
Tal vez sea el personaje de Peter (Adrien Brody) el que más me haya gustado; incapaz de perdonarse ante la trágica muerte de su padre, asiste a otro accidente, y se redime con el nacimiento de su hijo.
A modo de conclusión, decir que los cameos famosiles no salvan un film que podría ser bueno si ahondase, escarbase más bien, en los abismos internos de los personajes. ¡Ea!, he dicho.

JOHNNY COGIÓ SUS CUCHILLAS

Como si de un nuevo Nosferatu se tratase, sediento esta vez de venganza y, por qué no, de cuellos y sangre que se derrama dejando a su paso reflejos fosforescentes. Así nos presenta Tim Burton al barbero diabólico de la calle Fleet, embarcado en un velero y embriagado por una rabia acumulada durante quince años.
Sweeney Todd es la arriesgada adaptación del musical homónimo de Stephen Sondheim que, a su vez, retoma la historia de Thomas Peckett (1846). Y digo arriesgada porque es de sobra conocida la fama que persigue al realizador y que le acusa de no saber contar historias y quedarse en lo pura y estrictamente formal. Pues bien, en este caso puede parecer que la falacia se hace realidad (como podéis observar, no estoy de acuerdo en absoluto con esta afirmación, hablando de la mayoría de su trabajo, que no todo).
No descubro América si afirmo que los musicales no son materia fácil para nadie y que hacen huir de las salas hasta a los más intrépidos espectadores (no es mi caso porque me encantan). Pero al tratarse de la obra de un cineasta como Burton uno ya se puede esperar mucho más: siempre le quedarán los magníficos personajes interpretados por esos actores fetiche que tantas alegrías le dan y que se desenvuelven con soltura en el arte del cante, esos decorados alucinantes que hacen que el Londres decimonónico inquiete el alma, los efectos especiales que traspasan la pantalla y empapan de sangre...
He de decir que le encuentro muchas cosas buenas y alguna que otra no tan buena (o mala, si preferís. Me cuesta decir esto...): Johnny Depp es la más buena de todas. Esta vez se merece el Oscar, no sólo por esta maravillosa interpretación atormentada, si no por toda una carrera magnífica. Pero no se lo darán... o sí! Los demás actores están muy bien, quizás los peores sean los jóvenes y tal vez sea debido a que sus papeles son los más ñoños y pastelones. Y los veteranos, como Alan Rikman y Timothy Spall (mi descubrimiento del día) están excelentes, como siempre.
Vayamos a lo malo: a menudo se hace lenta, muy lenta, pero es algo normal que se debe a los números musicales. No creo que sea algo fácil de evitar y sucede con obras maestras como West Side Story, así que... También hay algún abuso por repetición, como el precisoso encuadre de Sweeney con la ventana abuardillada de fondo que, cuando está con las cuchillas alzadas, recuerda al adorable Edward (también los créditos me trasladaron a la historia del ser con tijeras en vez de manos); o las caídas de los cadáveres por la trampilla, que se suceden muerte tras muerte...
Bueno, me parece que me estoy excediendo y seguro que me olvido de muchas cosas. Ahora os toca a vosotros discrepar.

NO COUNTRY FOR OLD MEN

Con una escena que para mí es de lo mejorcito de la película. Así comienza la cacería que nos han preparado los Coen, mezclando un poquito de cada género para trasladar el libro de Corman McCarthy a la gran pantalla (¿pero eso sigue existiendo?). Quiero empezar este breve reseña con los actores, que están sobresalientes a lo largo de todo el film, destacando Josh Brolin, que parece que empieza a escoger buenos papeles. Bardem da verdadero miedo en ocasiones, con esa pinta de psicópata que más sabe por diablo que por viejo. No sé si le otorgarán el Oscar al Mejor Actor de Reparto, pero su actuación nos devuelve al Bardem en estado puro que tanto me gusta (y es que su físico le condiciona, y eso debería saberlo - véase Mar adentro, 2004).

Lo que más me ha gustado es la excelente fotografía de Roger Deakins que nos traspasa al salvaje oeste, aunque nada más empezar la película se me ocurre la comparación con La caza (Carlos Saura, 1966) y reafirmo mi impresión de que, en ocasiones, el blanco y negro puede traspasar la pantalla y recrear el sol de pleno, el agobio y la asfixiante sensación de estar asistiendo a una cacería humana mejor que todos los colores del arco iris.

Sin embargo, el preciosismo de esos clarosocuros tan bien escogidos me deja embobada.

Me gusta la mezcla de géneros (nunca me ha parecido que haya nada que reprochar), me gusta el estilo bronco de la imagen y de la historia, me gusta el reparto y su labor… En general salí del cine con buen sabor de boca quitando un par de diálogos de relleno y algún tiempo muerto, no obstante un poco molesta por una escena más que previsible que no debería desvelar ocultándome en un spoiler. Y aquí sí que coincidimos, querido Iban. Y es que Bukowski tenía razón.

EMIGRO

El viento ha cambiado de rumbo y la veleta ya se mueve al compás, marcando el sentido del viaje que se antoja corto. Poco tiempo es pasar seis horas en un tren si eso supone el inicio de una nueva etapa que asoma la patita por debajo de la puerta y no muestra trazas de lobo.
Me espera un trabajo en una ciudad que no deja de ser nueva aunque cada vez ansíe más volver. La posibilidad de ampliar la siempre escasa formación (nunca es suficiente cuando de cultura se habla). La actividad frenética que me impide estar quieta un solo instante, que me lleva de la mano en un viaje alucinante por un tiempo que se aprovecha mejor cuanto más horas se tengan ocupadas en las más variadas actividades.
Y Enrique Bunbury se convierte, una vez más, en el bardo de mis emociones. Os queria dejar con una de las canciones que más me gusta del disco que le salió perfecto, El extranjero, pero no se deja coger. En cuanto pueda os la pongo, que merece la pena.
Chicos, me marcho becada a Madrid y todavía no me lo creo. Ahora estaré más lejos de unos y más cerca de otros. Pero os quiero igual.

ARTURO BALTAR

Ya iba siendo hora de que su ciudad natal le rindiese un más que merecido homenaje, pues Arturo Baltar es uno de los máximos exponentes del arte ourensano y gallego por extensión. La exposición de su belén es una de las citas ineludibles en nuestra Navidad y son muchos los que, como yo, recuerdan el paso, año tras año, por la iglesia de los santos Cosme y Damián para admirar las hermosas figuritas que nada tienen que envidiar a las que protagonizan los belenes napolitanas. Pero esta exposición va más allá.
El barro concibe las formas más expresionistas en las manos del artesano (este calificativo está colocado con la máxima consciencia y no se debe entender como un descalificativo en la línea del debate renacentista artista – artesano). Sus escenas de género muestran realidades pasadas protagonizadas por seres de rostros redondos que lejos de ser iguales, como puede parecer a simple vista, muestran expresiones muy diversas. Los colores pastel dotan a dichas escenas de un aura mágica que hace que el espectador quiera asomarse una y otra vez a la ventanita por la que espiamos la tertulia de los cafés o la partida de cartas que juegan los vecinos en la rebotica del farmacéutico. Hay que decir que el montaje de la exposición es muy bueno, con los claroscuros que invitan al voyeurismo dentro de las cajas que salvaguardan y trampantojan los momentos condensados en un instante.
Completan la muestra una serie de pequeñas figuras y bajorrelieves que dan idea de la gran influencia goyesca que se puede apreciar en toda la obra de Baltar.
No quiero terminar sin incluir un breve fragmento del hermoso texto escrito por José Paz para el folleto de la exposición:
“Baltar, o escultor, o bo como diría o outro, é ese neno grande e presumido ao que desde sempre lle apaixonaron as flores, por iso fixo da súa vida un xardín marabilloso. Miúdo, introvertido, melancólico, un ser enamoradizo para quen o verdadeiro amor é aquel que non é correspondido. Os ollos tórnanselle vidrosos ao rememorar como nace o amor, como todo múdase nun efecto máxico que transforma a realidade. “O amor correspondido é outra cosa.”Acudir a el é como iniciarse nunca viaxe sen fin cara ao interior, como facer un pacto co tempo para aproximarse á esencia da beleza que nos evoca esa Galicia soñada e idealizada que esmorece a favor de un movemento desmedido.”
Me causa gran alegría que el homenaje se le haga en vida porque no hay por qué esperar a que falten para aplaudirles. Para Jaime Quessada ya es demasiado tarde (la segunda imágen es obra suya).

AMERICAN GANGSTER

Los polos opuestos se atraen. Esa es la clave de la última película de Ridley Scott. El hermano mayor de Tony parte de una historia real para llevar a la pantalla una trama violenta, en su línea, pero con moraleja detrás.
Dos hombres, dos morales. Siguiendo la senda abierta por Francis Ford Coppola, Scott nos muestra el ascenso al poder de Frank Lucas, un afroamericano que ascendió a lo más alto dentro de la mafia de las drogas. El mejor producto al mejor precio en la coyuntura de una sociedad desestructurada por una guerra estúpida (¿cuál no lo es?) que sólo aportaba muerte y adicción era el contexto ideal para este hombre amoral pero eficiente y profesional.
En el otro lado Richie Roberts, un bicho raro dentro del cuerpo policial del New York setentero, bien recreado, por cierto. Con una vida familiar fracasada pone todas sus energías en el trabajo y en su deber como policía, lo que le vale granjearse la enemistad de sus colegas corruptos y las burlas de todos.
Los dos se complementan a la perfección porque en el fondo son iguales. Cada uno hace su trabajo lo mejor que puede, y no dudan en sacrificar a su familia para que todo salga bien. Por eso acaban entendiéndose.
La película tiene buenos momentos trepidantes y otros tantos que recuerdan a la saga de El padrino, parte de lo cual se podría haber eliminado para evitar odiosas comparaciones ya que no supondría ningún problema porque el pero es que se hace un poco larga.
Washington y Crowe están muy bien en sus roles y la pena es que el duelo interpretativo se demore tanto y sólo dé para unos breves minutos con poca chicha. Quizás sea eso lo que le falte para ser un film redondo, un cara a cara menos diplomático. En cualquier caso es un film interesante y recomendable.

WEST SIDE STORY

Como siempre, asistir a la proyección de un musical, clásico donde los haya, supone un placer para mí. Tal vez haya quien considere este género como algo demasiado dulzón o amanerado, pero lo cierto es que cualquier aficionado a la buena música y al baile debería disfrutar al máximo con películas como West Side Story (Robert Wise y Jerome Robbins, 1961).
Pero en este caso he de admitir que gracias a que el film está sabiamente compensado (al cincuenta por ciento entre historia de amor realmente empalagosa y magníficos bailes y coreografías) no se hacen pesados los 155 minutos que dura. Y es que Tony y María ponen demasiado almíbar en una historia de bandas, de chicos malos que no tienen más que hacer que estar todo el día en la calle peleándose por lograr una supremacía que de nada sirve y que sólo pone de manifiesto prejuicios raciales y sociales. He aquí el trasfondo moralizante de la película, unido al hecho de que el amor puede romper todas las barreras: un Romeo y una Julieta maleados por las malas compañías y la desilusión del sueño americano o quizás un Jesús (que aboga por el amor incondicional y la tolerancia en todo momento) y una María Magdalena de amor imposible (véase la piedad del final o que estoy sobre interpretando por la deformación profesional, que todo puede ser).
Pese a todo, lo mejor son los números de baile, aunque mejor sería calificarlos de gimnásticos a la luz de las piruetas y saltos de los personajes masculinos, protagonistas indiscutibles de la cinta (aunque debo destacar a la esplendida Rita Moreno, con una gran actuacion). La música de Leonard Bernstein en realmente buena, si acaso peca en algunos momentos de caótica llegando a la cacofonía en momentos como cuando se interpreta Tonight a cinco voces (sí, a los genios también les puede pasar alguna vez, en otro caso serían pequeños dioses). Pero todo se le perdona al escuchar joyas como esta maravilla con la que me auto agasajo en esta época de regalos.
¡Feliz Navidad a todos!

EL ARCA RUSA

Aleksandr Sokurov siempre consigue dejarme con la boca abierta. En este caso con la alucinante El arca rusa (2002), un trabajo realmente sorprendente debido, principalmente, a la labor técnica, dado que los casi 100 minutos de película están rodados en un plano secuencia que nos introduce literalmente en la historia de Rusia de los últimos siglos.

Me parece incríble que el cineasta consiga a la cuarta intentona no cortar ni una sola vez y que el gran número de extras moviéndose por la estancias y salas del Hermitage no desentone.

Un extraño europeo nos va guiando por las salas y por la historia rusa, a la par que habla con alguien que parece ser un espíritu y que podría ser el propio pueblo ruso que dialoga con Europa y que acaba por dejarla marchar, tras comprobar su desprecio por la cultura rusa (para ella es imposible que haya buenos artistas rusos, la primera elección es que el pintor o músico de turno sea foráneo).

El museo es impresionante, al igual que los lienzos allí colgados (aunque se llega a comparar a El Greco con Rembrandt (?), y la recreación de la mazurca bailada por un gran número de danzarines es relamente hermosa.

Ya lo dije en su momento al hacer la reseña de Madre e hijo, y lo reitero: Sokurov es un cineasta a tener en cuenta.

NEW YORK, NEW YORK

Nuevo ciclo titulado Nueva York en el cine. Las películas escogidas en esta ocasión hacen un recorrido por las distintas visiones cinéfilas de la gran ciudad: King Kong (Merian C. Cooper y Ernest B. Shoedsack, 1933), Un día en Nueva York (Stanley Donen y Gene Kelly, 1949), La ley del silencio (Elia Kazan, 1951), West Side Story (Robert Wise y Jerome Robbins, 1961), Desayuno con diamantes (Blake Edwards, 1961), Taxi Driver (Martin Scorsese, 1976), Manhattan (Woody Allen, 1979), Érase una vez en América (Sergio Leone, 1984), Kids (Larry Clark, 1995) y 11´09´´ 01 - 11 de Septiembre (2002).

Y no es mal comienzo el empezar con la primera versión de la historia del simio gigante, ¡la Octava Maravilla del mundo!, realmente conseguida y que refuerza mi admiración por los grandes artesanos de los efectos especiales (en este caso Willis O´Brien, pero también otros como el siempre infravalorado George de Méliès o Ray Harryhausen).

La ternura que me inspiran este tipo de films es infinita. Me encanta la exagerada gestualidad todavía tan cercana del cine silente, la técnica de stop - motion que no logra ser superada por los efectos digitales de hoy en día (si me dan a escoger, siempre me quedaré con este tipo de efectos especiales. Será porque también me gusta más el arte de los siglos XV - XVII que las videocreaciones)...

Cada vez que acudo a una de estas sesiones rituales de recuperación del mejor cine me sorprendo de lo interesante que sería hacer un estudio sociológico en base a las reacciones de los espectadoras allí presentes (pero la mayoría son mujeres de edad avanzada, quizás por eso no sería un estudio demasiado válido). Me alucina ver cómo son capaces de troncharse cuando el gran Kong se merienda a varios personajes que pasaban por allí, como quien no quiere la cosa. Se trata de ese tipo de respuesta que no consigo entender. Realmente me parece sorprendente. Supongo que si el mono y los humanos fuesen reales no se reirían así (o eso espero).

En fin...

LA TORTURA

Ayer por la noche me frotaba las manos complacida por el estreno televisivo de El perfume (Tom Tykwer, 2006), sólo un año después de que me la perdiera en las carteleras. No he leído el libro y por eso estaba bastante expectante. Hoy creo que ni el libro me voy a leer (es algo que suelo hacer: ver primero las adaptaciones cinematográficas y luego leerme las obras. No preguntéis por qué, pero es un reto para la imaginación).

¡Qué desastre! Mientras los que me acompañaban cogían un libro para no morir en el intento o se iban a dormir directamente, yo aguantaba estoicamente y le robaba horas al sueño hasta que la rabia se apoderó de mí y abandoné a poco del final.

Desde el inicio ya hay algo que molesta. Tal vez el manido topicazo de la sociedad francesa del XVIII, con esas pelucas que conspiran y retozan con amantes de todo tipo, tal vez la mala resolución actoral de todos los intérpretes, empezando por el propio Dustin Hoffman y pasando por el protagonista (Ben Whishaw), una especie de perro buscatrufas que no aporta nada al film.

El trabajo del director tampoco es elogiable, sin embargo destacaría su labor como compositor de la banda sonora, lo único reseñable (creo que fue lo que me hizo aguantar tanto ante el televisor).
Lo más patético, ese momento de "presencia angelical" e instigadora de la orgía (obispo incluído) ante el cadalso. Sin palabras.

Películas como ésta sobran, aunque sean adaptaciones de best-sellers (véase Alatriste), y suponen un insulto para la inteligencia del espectador.

He dicho.

ES MÁS QUE AMOR (POR LA MÚSICA)

¡Qué buen plan para despedirme de mi tierra! (Y eso que regresaré en breve, tal vez incluso antes de lo que yo misma creo).

Música para la marcha, música para volver. Y qué mejor que Fados y el musical Jesucristo Superstar (¡por fin!).

La última película de Carlos Saura no prometía nada que no nos hubiese mostrado antes en sus películas musicales. Los mismos paneles de translúcidos colores, las sombras, la cálida luz dorada que inunda todas y cada una de las imágenes... Sin embargo, en esta ocasión todo es diferente. Tal vez sea por el fado, que tiene algo que atrapa y no te deja marchar jamás. Tal vez sea porque mi sensibilidad está próxima a este sentir que habla de saudade cuando yo siento morriña. No lo sé, pero el caso es que cuando salí del cine (patética sala 5 de los Renoir Plaza de España. No me hagáis hablar...), sentía que me había sabido a poco, que quería más Mariza, más Caetano, más homenajes a Amalia Rodrigues, más Lila.

Qué decir de ese duelo desgarrado en la Casa de Fados, de esos bailes... Nada más, que hay que verla.

Y por fin, después de mucha tribulación, pude conteplar con estos ojitos el musical más esperado por mí desde siempre. Un Jesucristo Superstar actualizado que me tentaba, pero que me hacía dudar por las posibles comparaciones. Gracias a quien ya sabe pude ir, y no me arrepiento.

Miquel Fernández es un buen cantante y actor, así que su interpretación no desmerece el proyecto en el que está embarcado; sin embargo, el elenco que le acompaña deja que desear. Eva María Cortés no emociona lo mismo que Ángela Carrasco y el televisivo Paco Arrojo interpreta a un Judas chillón (esta palabra siempre me pareció horrible) que hace que una se acuerde de Teddy Bautista durante toda la representación.

El montaje no es malo, y alcanza cotas de espectacularidad en la segunda parte, con la aparición de un Herodes histriónico acompañado de la banda que toca en riguroso directo, o con la venida desde la ultratumba de Judas y su troupe recién sacada de Factor X. O con el final, totalmente austero pero conmovedor en esa recreación lograda del Cristo de San Juan de la Cruz que tan bien pintó Dalí. Tal vez le pondría pegas al vestuario, recién comprado en el cercano Rastro y poco representativo de la sociedad actual (tal vez de una parte de la juventud sí, pero eso no llega).

Lo peor de todo es la modificación de la totalidad del libreto porque es imposible concentrarse cuando la letra original te viene a la cabeza una y otra vez con la voz del inconmensurable Camilo. ¿Por qué cambiarla? Ese es el fallo.

Lo mejor, los graves de Abel García (¡qué grande!).

Y yo sigo pensando que el impacto de esta obra (y me refiero a la película de Norman Jewison) tuvo que ser impresionante en pleno 1973, con los vaqueros, las camisetas de Superman, los fusiles, cascos... y ese Judas tan negro por dentro como por fuera. Eso sí que era arriegarse.

COMO LÁGRIMAS EN LA LLUVIA...

¿Soñaremos algún día con ovejas eléctricas? El 2019 no nos queda ya tan lejano y parece mentira que hace 25 años (el 82 fue un gran año sin duda) ya se nos estuviese avisando de ciertas cosas que en breve veremos. A veces da miedo ver esos robots tan semejantes a sus creadores, y me da por pensar que el hombre se considera un pequeño dios que crea a su imagen y semejanza.

Blade Runner: The Final Cut merece la pena. Por mostrarnos de nuevo estas futuribles realidades, por hacernos conscientes de ello, por hacerlo de la mejor manera posible, por deleitarnos una vez más con la música de Vangelis... Por hacernos soñar que el amor no conoce fronteras y mostrarnos que puede saltar todas las barreras, aunque sepamos que pocas veces sucede así.

SIEMPRE ES LA MISMA FUNCIÓN...

No lo puedo evitar. Cada vez que veo Mystic River (Clint Eastwood, 2003) algo se muere en mi interior. Un retrato brutal de una sociedad que no lo es menos... Hace daño.

La voz de Enrique Bunbury complementa esta película a la perfección.

No hace falta añadir más.

¿QUÉ ES EL ARTE? MORIRTE DE FRÍO

Parece que en estos fríos días he vuelto a mis orígenes y me estoy empapando de las otras Seis Artes a más no poder. Madrid ofrece una actividad cultural que me apasiona y hace que no pare quieta un instante. Aquí os dejo una muestra y os pongo los dientes largos.

En breve más de Cine (eso siempre).

CON TODOS USTEDES... MR. KEATON!

Qué mejor compañía para una tarde ociosa que el insuperable "Buster" Keaton. El su-realismo que impregna cada una de las películas en las que participó, ya fuera sólo como actor o con el añadido de una buena dirección, hace que siempre merezca la pena revisar esas comedias que de puro absurdas logran que la sonrisa no se despegue de los labios del espectador durante los minutos, siempre escasos, que duran. Para mí nunca hubo otro mejor, por encima del genial Charles Chaplin o Harold Lloyd. Sus acrobacias, aprendidas en una infancia circense, y que casi le cuestan la vida en una ocasión en la que se partió poco menos que el alma, ponen de relieve un arte especial para el humor, acompañado de esa máscara impenetrable que era su rostro, que yo imagino así en su vida cotidiana y que hace que me guste siempre un poco más. En Las siete ocasiones todas las mujeres le rechazan antes de saberle un rico heredero. Yo le hubiese aceptado antes de recoger los millones.

¡Sí, quiero!

LA MEJOR PELÍCULA DE LA HISTORIA

Desde la pasada semana, la redacción de un suplemento dominical se ha propuesto realizar un homenaje al cine, con una serie de fotografías y una invitación a participar en una encuesta que dirima cuál ha de ser, a juicio de los participantes, la mejor película de la Historia. Particularmente considero que esta propuesta supone una labor harto difícil para aquellos que amamos el cine. En mi caso me resulta totalmente imposible escoger un único film, porque son demasiados los que considero "la mejor película de la Historia". Son tantos los que me han emocionado y me han dejado boquiabierta con sus logros... Decididamente NO; no soy capaz de votar, pero aquí os dejo la dirección por si alguno se atreve:

http://www.magazinedigital.com/

Por cierto, el reportaje fotográfico que se adjunta, protagonizado por las estupendas fotografías de Annie Leibovitz, es una especie de fotonovela, ya que, a partir de las imágenes, Nathaniel Rich, Jim Windolf y Bruce Handy, elaboran un guión que no logra estar a la altura de su inspiración. A destacar la fotografía de la portada del dominical, puro homenaje al arte de Tamara de Lempicka. Realmente conseguida (y hermosa).

TOCADO Y HUNDIDO

"En aquel entonces era difícil saberlo. Uno va al cine o al teatro y vive su noche sin pensar en los que ya han cumplido la misma ceremonia, eligiendo el lugar y la hora, vistiéndose y telefoneando y fila once o cinco, la sombra y la música, la tierra de nadie y de todos allí donde todos son nadie, el hombre o la mujer en su butaca, acaso una palabra para excusarse por llegar tarde, un comentario a media voz que alguien recoge o ignora, casi siempre el silencio, las miradas vertiéndose en la escena o la pantalla, huyendo de lo contiguo, de lo de este lado. Realmente era difícil saber, por encima de la publicidad, de las colas interminables, de los carteles y las críticas, que éramos tantos los que queríamos a Glenda". (Queremos tanto a Glenda, Julio Cortázar).

A partir de esta semana que apenas empieza se nos escapa una oportunidad de repetir este ritual tan bien descrito por Cortázar. El último pequeño cine de esta ciudad cierra sus puertas privándonos de todo a los que solíamos acudir a sus sesiones de películas que se escurrían entre los conductos más comerciales de las multisalas. El cine Dúplex desaparece, al igual que hicieron ambos Novocine, siguiendo el ejemplo de salas míticas (y espaciosas) como fueron las del Avenida, el Mary, el Xesteira...

La últimas películas que he visto aquí las he disfrutado (o no) en el Dúplex, y ya la mirada del encargado hacía presagiar este the end. Por sus ojos, y porque era la única espectadora de las dos salas, entendía que o bien me agradecía que siguiese siendo fiel a esas paredes que encerraron tantos sueños, o bien me odiaba porque le hacía poner la película por los míseros 4,50 que costaba la entrada (que no son moco de pavo, no señor, pero en comparación con lo que se estila por ahí...).

Quede constancia de lo que está pasando por aquí, de que cada día me siento más sola en mi lucha por tratar de ver cine de calidad. Me quedan las pocas sesiones que nos "regalan" los ciclos salvíficos de ciertas cajas de ahorros que permiten presenciar, entre permanentes y cardados, joyas que aún se consideran merecedoras de ser proyectadas. Buenos vamos.

RAÚL ARÉVALO

Desde hace algún tiempo considero que este chico se merece un post para él solito. He hecho comentarios de la mayoría de sus pelis y siempre acabo por mencionarle a él por encima del resto del reparto. Por algo será.

Siempre cuentan con él para el hacer del raro de la película. Sus personajes destacan por lo que tienen de estrafalarios, pero también de buena gente: Israel, Babirusa, el Utrera... Una y otra vez lo mismo. El único que se atreve a sacarle de este penosos encasillamiento es José Luís Cuerda con la cinta que rueda en estos mismos instantes en mi tierra de adopción. Es en Los girasoles ciegos donde podremos ver a un Arévalo metido en la piel de un sacerdote, con tonsura y todo. La verdad es que se hace raro verle por la calle corriendo con la sotana remangada. Esperemos que después de este primer protagonista vengan muchos más.

Y digo que Cuerda es el valiente que se atreve a darle otro tipo de papel porque el otro día me llevé una gran decepción con Tocar el cielo, de Marcos Carnevale. A ver, la película en sí no me pareció nada buena. Juega con muchos momentos dramáticos de lágrima fácil y poco más. El papel de Raúl Arévalo prometía en un principio, por eso de poder verle en otro registro, totalmente opuesto a todo lo anterior. Sin embargo la ilusión se queda en eso, puro espejismo, cuando una se da cuenta de que el personaje es más de lo mismo y que si hay algo distinto (no quiero contaros por si aún la queréis ver) es para que Chete Lera pueda desgañitarse un poco más. ¡Qué pena! Fidel acaba por ser el mismo de siempre, y claro, buena gente (yo también haría rabiar a Chete).

Lo dicho. Considero que aún tenemos mucho Raúl por disfrutar, siempre y cuando se cuide. Estoy deseando ver Siete mesas (de billar francés), para ver si Gracia Querejeta le ha querido un poco más que el resto. Eso espero.

CINÉMA FRANCAISE

Una vez más, y gracias a la obra social de cierta entidad bancaria que, de vez en cuando, se acuerda de los cinéfilos, puedo discfrutar de buen cine. Y una vez más rodeada de una multitud de edad avanzada que disfruta relatándonos a todos los espectadores los sentimientos que experimenta al ver las distintas películas.

Este curso se inicia con una serie de obras maestras del cine francés de todos lo tiempos, cosa que se agradece (ultimamente este cine tiene un gran calado en la sociedad y se trata de recuperar el precedente y estrenar lo actual). El inicio ha sido inmejorable, con Las diabólicas (Georges Clouzot, 1955), película que los masters del universo recordarán (qué miedo pasamos!), y L´Atalante (Jean Vigo, 1934).

Las próximas que espero ansiosa serán: El río (Jean Renoir, 1950), Pickpocket (Robert Bresson, 1959), Banda à part (Jean - Luc Godard, 1964), Adiós muchachos (Louis Malle, 1987), Caché (Michael Haneke, 2005), Los cuatrocientos golpes (François Truffaut, 1959), Mi tío (Jacques Tati, 1958), Rififi (Jules Dassin, 1955).

Yo hubiese quitado de la lista la película de Haneke, que parece que desentona un poco con el resto de la selección, pero bueno. Las únicas pegas que le encuentro a este ciclo es que no pasen los films por fechas y que nos las proyecten dobladas al castellano.

Algunas ya están más que vistas, pero nunca está de más una revisión de vez en cuando.

Ya os iré relatando mis impresiones bloggeras.

HAIRSPRAY!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!

G - E - N - I - A - L !!!!!!!!

Desde el mismo inicio de la película, con ese Good morning, Baltimore interpretado por Nikki Blonski (esta chica es grande, y no me refiero al físico), una ya sabe que va a disfrutar enormemente de todas y cada una de la imágenes y canciones que vertebran este remake que aúna la excentricidad de John Waters con la música broadwayana de Mark Shaiman y Scott Wittman.

La recreación de la Norteamérica de los años 60, el vestuario, la peluquería, los personajes,... todo funciona en el film.

Los actores están geniales, todos y cada uno de ellos en sus papeles, principales o secundarios, y es un lujo poder ver de nuevo a un John Travolta en su salsa (después de ver Pink Flamingos no me imagino a Divine en esta tesitura. Tendré que ver la película original). Una vez más, las recuperaciones de actores funcionan (Travolta ya fue recuperado una vez... debe ser que da para mucho). Atención al excelente Elijah Kelley, cuya soberbia voz recuerda a un olvidado y superado Craig David.

Qué decir de la música y la coreografía... Adam Shankman se redime del cine realizado previamente con un espectacular trabajo en el que prima el ritmo y el colorido. El espectador se siente desbordado ante tamaño trabajo artístico, ante el poderío de gente como Queen Latifah o Christopher Walken, que también se atreve a cantar de nuevo. No destaca técnicamente, aunque tiene momentos como los de la manifestación (esta escena es de poner los pelos de punta, literalmente), que parece una mezcla de un documental antixenófobo mezclado con algo de videoclip a lo Thriller (se me acaba de ir la pinza ;).

El argumento no podría ser mejor: la integración racial y la lucha por la reivindicación de la diferencia. Parece que los "sixties" nos quedan muy lejanos, pero el tema sigue de plena actualidad.

Para finalizar, sólo cabe preguntarse qué sería de la música y el baile actuales sin las aportaciones de gente como Chuck Berry, Little Richard, Ray Charles, Aretha Franklin, Marvin Gaye, Ottis Redding, Fats Domino,...

¡Qué viva la laca!

YOU ARE MY DESTINY (O CÓMO OLVIDARTE SI NO QUIERO)

A pesar de que el film de Michel Gondry titulado ¡Olvídate de mí! (2004) es anterior al ya reseñado La ciencia del sueño, los he visto al revés, como suele pasar. Basta que una película te guste para que una se revise la filmografía del director buscando nuevas joyas. Y éste es un buen ejemplo de ello.
Ya lo cantaba Paul Anka en su célebre canción (tal vez la más conocida del recién recuperado cantante):

"You are my destiny
You share my reverie
You are my happiness
That's what you are"

En ocasiones no se puede poner freno a lo que el destino nos depara. Y esto es lo que Gondry nos cuenta

La película es un alucinante viaje por la mente humana y sus recuerdos, aquçellos que, sólo en ocasiones especiales, son difíciles de borrar, quizás por que realmente no se desea que éso suceda. Una pareja como ésta no se rompe por una serie de manías que todo el mundo tiene. Es algo más fuerte que éso, y ésto se intuye en el mismo instante en el que se encuentran. No importa que se acaben de conocer, el final lo conocemos porque no podría ser de otra manera.
Kate Winslet y Jim Carrey (cómo me gusta cuando se pone serio) hacen un buen papel arropados por Kirsten Dunst, Elijah Wood y Mark Ruffalo (¡va por tí, mare!), en esta trama surreal que atrapa y sumerje al espectador en un mar de imágenes hermosas y pensamientos inolvidables que preludian el onirismo que impregna la soberbia e inspiradora La ciencia del sueño (ver comentarios precedentes).
El personaje de Jim Carrey vuelve de nuevo a la infancia y Beck canta "Everybody´s got to learn sometime". Razón no le falta. Todos debemos aprender de lo que nos sucede, sean fallos o aciertos. Y en ello estamos.

DEATH PROOF

Tarantino se supera película tras película. Siguiendo en su línea homenaje a films de décadas precedentes y de culto, por qué no, el cineasta nos propone una revisión del cine de serie Z con una historia de chicas malas (o no tanto?). Desde el inicio de la película, el espectador se siente transportado a los años 70, como si estuviera sentado en una butaca de una de esas salas Grindhouse, imbuído por completo en el mundo exploitation. Los mismo créditos nos anuncian lo que estamos a punto de presenciar. Una imagen muy trabajada, con guiños constantes hacia films y series de la década setentera, con personajes muy logrados.
Los actores están excelentes, especialmente la afortunada recuperación tarantiniana para la ocasión. Me refiero al estupendo Kurt Rusell en el papel del especialista Mike (IcyHot), que está que se sale de la pantalla (me encanta cuando se dirige a nosotros con esa sonrisa picarona. Qué poco te va a durar la alegría, Mike!).
Todo me gusta en esta película que hace pasar un rato muy agradable en le cine, a pesar de que sean pocos los que se atrevan a verla. Pero lo que destacaría por encima de todo es la música, elemento esencial en el cine de Tarantino (donde podría estar mejor que en un garito animado por una Juke Box de ese calibre?). Él sí que sabe como animar una fiesta. Destacan todos los temas, pero me gusta especialmente el de los créditos finales, puro homenaje a la mujer luchadora. Chick Habit, de April March; u otras como It´s so easy, de Willy DeVille, o la sensual Baby it´s you, de Smith.
Me gusta el camino que sigue Tarantino, con chicas guerreras que acaban con los hombres perversos y, de paso, destrozan coches, puro símbolo fálico, además de icono yankee por excelencia.

I CONGRESO INTERNACIONAL DE HISTORIA Y CINE

CURSO: I CONGRESO INTERNACIONAL DE HISTORIA Y CINE


CRÉDITOS: 2

CAMPUS: GETAFE

COORDINADORA: Gloria Camarero Gómez
PROFESOR/A: Beatriz de las Heras Herrero
DEPARTAMENTO: Humanidades: Lingüística, Literatura, Historia y Estética
CORREO ELECTRÓNICO: mailto:bheras@hum.uc3m.es / bheras@hum.uc3m.es

OBJETIVOS:
En este curso se reunirán por primera vez las máximas autoridades de los estudios de historia y cine a nivel nacional e internacional, además de los jóvenes investigadores que en la actualidad están llevando a cabo trabajos sobre el tema. El objetivo es acercar a los alumnos en dos niveles diferentes, el metodológico y el práctico, esta línea de investigación, haciendo hincapié en el visionado de películas de contenido histórico.

PROGRAMA:
5 de Septiembre de 2007

MAÑANA
9:00 – 9:30 Inauguración del Congreso
9:30 – 11:30 Conferencia a cargo del Prof. Pierre Sorlin (Universidad de la Sorbona)
“Cine e historia. Una relación que hay que repensar”

11:30 – 12:00 Descanso

12:00 – 14:00 Conferencia a cargo del Prof. Jorge Novoa (Universidad Federal de Bahía)
“Cine e historia en la reconstrucción del paradigma historiográfico”

TARDE
16:00 – 18:00 Ponencias
Prof. Beatriz de las Heras Herrero (Universidad Carlos III de Madrid)
“Historia e Imagen”

Prof. Pilar Amador Carretero (Universidad Carlos III de Madrid)
"El discurso fílmico, un legado para la Historia"

Prof. José Luís Sánchez Noriega (Universidad Complutense)
“Filmando una película histórica”


18:00 – 18:30 Descanso

18:30 – 20:30 Comunicaciones y Coloquio



6 de Septiembre de 2007

MAÑANA
10:00 – 11:15 Conferencia a cargo del Prof. Ángel Luís Hueso (Universidad de Santiago de Compostela)
“La biografía o el papel de los grandes personajes en el cine"

11:15 – 12:30 Conferencia a cargo del Prof. Santiago de Pablo (Catedrático de la Universidad del País Vasco)
"El linaje de Aitor en la pantalla. Cine, historia e identidad nacional en el País Vasco"

12:00 – 12:30 Descanso

12:30 – 13:45 Conferencia a cargo del Prof. José María Caparrós (Universidad de Barcelona)
“Grandes acontecimientos históricos contemporáneos en el cine”



TARDE
16:00 – 17:15 Conferencia a cargo de la Prof. María Antonia Paz (Universidad Complutense)
“Documental y realidad: tres ejemplos de una relación variable”

17:15 – 18:30 Conferencia a cargo del Prof. Julio Montero (Universidad Complutense)
“La realidad histórica en el cine. El peso del presente”

18:30 – 19:00 Descanso

19:00 – 20:30 Comunicaciones y Coloquio


7 de Septiembre de 2007

MAÑANA

10:00 – 11:30 Presentación del documental “La Segunda República a través de sus imágenes
y sus sonidos”, a cargo del Prof. José Carlos Suárez (Universitat Rovira i Virgili)


11:30 – 12:00 Descanso

12:00 – 13:30 Conferencia a cargo del Prof. Alberto Prieto (Universidad Autónoma de Barcelona)
“El cine cambia la historia: la esclavitud”

13:30 – 14:30 Comunicaciones y Coloquio


TARDE
16:00 – 18:00 Comunicaciones y Coloquio

18:00 – 18:30 Descanso

18:30 – 20:30 Comunicaciones y Coloquio


8 de Septiembre de 2007

MAÑANA

09:00 – 12:00 Comunicaciones y Coloquio

12:00 – 12:30 Descanso

12:30 – 15:00 Comunicaciones y Coloquio

Pues aquí tenéis el programa del curso. Mañana me toca presentar mi comunicación (siento que no estén incluídas en este programa), y estoy un poco atacada. Los que me conocéis ya sabéis por donde van los tiros, así que parece redundante deciros que versa sobre la iconografía de Jesucristo en el cine, en concreto en La última tentación de Cristo (martin Scorsese, 1988), pero así queda constancia de ello.

Ya os contaré qué tal me ha ido. De momento os puedo decir que las conferencias y comunicaciones del día han estado muy bien. Esperemos que siga así hasta el sábado (mañana estarán genial, que sí, que os lo aseguro yo ;)

AY PENA, PENITA, PEEENA!!!!

Aquí tenéis una casi completa foto de grupo (no se ve a Quintana, ni a Carmen, que estaban).

Ya se ha terminado el master de cine para mí, y bien que lo siento, porque, a pesar de que hay bastantes cosas susceptibles de mejora, me quedo con unos recuerdos inolvidables de gente que ya conocía y que quiero un montón, y de nuevos amigos que espero lo sean para siempre. ¡Hala! Ya se me está poniendo la vena sentimental. Y eso que aún estoy en Valladolid.
Pues nada, que el teclado va a empezar a echar chispas con estas goteras. Que sólo espero que nos reencontremos algún día.

Os quiero chicos (y a los que me faltasteis este año, y otra vez, no hace falta que os lo diga).

ALGO LE PASA A MEDEM!!!! Y ME DA MIEDO :(

Una foto de Julio Medem en una pose pensativa. Pues más le vale pensarse más las cosas antes de hacer ...PPpppiiIIIIIII.... (me autocensuro, ya veis. Por si los niños y tal) eso, películas como Caótica Ana. Como podéis apreciar, no me ha gustado en absoluto, y me abstengo de hacer la crítica porque de solo pensar en la peli me pongo mala del estómago otra vez. Sólo os invito a que compartáis conmigo vuestra opinión, que siempre es bienvenida.

Por cierto, prefiero a la Deneuve cubierta de estiércol en Belle de jour que a Manuela Vellés haciendo lo propio con el cerdo yankee. Vosotros mismos. (Atención al momento asparagus).

AGOSTO EN VALLADOLID

Un año más ha llegado el mes de Agosto, a la chita callando y nos ha pillado por sorpresa, con su frío invernal. No hay de qué preocuparse, con los libros de Truffaut y Bradbury podemos hacernos una buena hoguera y de paso iluminar a los peces que se amontonan, cada uno en su estanque.

Como el tiempo no acompaña se prevé que será necesario cantar bajo los paraguas de Cherburgo, y eso si la tierra de España no tiembla, como hace dos semanas. Paseamos bajo las estrellas, que un buen día (y noche) lo tiene cualquiera, pero nos asombramos con el asalto a la comisaría. Creo que el verdugo va a tener trabajo este Agosto.

A pesar de los rumores que corren por ahí, el amor no es triste por muchas cartas que reciba Berta, y si no que se lo digan a la Dama de Shangay, que vende rosas en los dominios del dios médico.

Pero a este dios le queda poco y, como al resto, le llega su crepúsculo anunciado. Pronto nos despediremos con tristeza algunos, con pena otros y, los menos, con alivio. Yo desde mi atalaya cibernética, desde la que se adivina la rodilla de Clara y la cara (binera) de asombro de Miguel Ángel, sólo puedo escribir estas palabras:

Gracias por estos meses!

(Y los que vendrán).

LES PARAPLUIES DE CHERBOURG

No sé que pasa ultimamante que todo el cine que veo es francés y está en francés (estoy aprendiendo un montón).

En esta ocasión se trata de una joya de Jacques Demy titulada Los paraguas de Cherburgo (1963). Drama musical enteramente cantado, con canciones que resultan familiares dentro de la memoria colectiva, y un uso realmente hermoso de los colores, la película puede parecer un tostón a simple vista, pero, una vez iniciada la proyección, no se puede apartar la vista de la pantalla.

A pesar de que la historia de amor y desamor no es nada nuevo a estas alturas, sí que lo es el uso y la presencia de ciertos temas que, allá por el año 1963, no estaban tan presentes. Me refiero al tema de la prostitución, por ejemplo, que se presenta de una forma bastante explícita y resulta extraño en un musical. Por no hablar de la guerra de Argelia, presente en determinados films franceses de la época, pero siempre cuestión espinosa (aún hoy se sigue planteando este tema en películas como Days of glory).

Catherine Deneuve está estupenda y el doblaje es asombroso: realmente parece que canten ellos. Excelente música de Michel Legrand, con esos toques de jazz que aportan originalidad, si bien los recitativos llegan a ser un poco monótonos.

Lo que más me gustó es el uso de los colores, sobre todo en el interior de las casas, con esos papeles pintados escogidos uno a uno por Demy.

No puedo evitar encontrar semejanzas con algunos films de Louis Malle, pero tal vez sea la deformación profesional que, a estas alturas, se impone a menudo.

Bonita película para lluviosa tarde de domingo.

PARIS, JE T´AIME

Esta temporada va de cine e historias francesas. En este caso se trata de hacer un homenaje a la capital parisina, por medio de pequeñas historias que se van sucediendo según los barrios de los que se compone París.
Un elenco estupendo de actores conocidísimos dirigidos por algunos de los mejores directores del momento, dan forma a estas breves pero intensas historias empapadas del ambiente de la ciudad.
A pesar de que algunos frgamentos llegan a ser un poco monótonos según el estilo de su director (estoy pensando en Bastille, de Isabel Coixet), y que muchas de las historias se quedan en el aire y el espectador desea conocer un poco más, el film es hermoso en su conjunto y, sobre todo, muy entretenido. Recuerda ligeramente a Night on Earth (Jim Jarmush, 1991), por eso de los capítulos, con la diferencia de que en este caso se trata de 18 historias distintas unidas por una única conexión: el tópico de París como ciudad del amor.
Lo cierto es que me lo pasé muy bien viendo la película, y que la recomiendo enfervorecidamente. Merece la pena.

AÚN ESTOY AQUÍ

Bufff! Este no es mi mejor momento para publicar nuevos posts. Presento mi Trabajo de Investigación que tanto trabajo me está dando (nunca mejor dicho y valga la redundancia) el próximo día 27 y estoy que no puedo más. Apenas voy al cine, y en casa no apetece ponerse con más pelis de las necesarias para hacer el trabajo.

Sin embargo, la semana pasada me acerqué a las salas para ver Mi hijo (Mon fils à moi, Martial Fougeron). Tuve la gran suerte de que me la pusieran en V.O.S., y digo que me la pusieran porque estaba yo sola en la sala.

Según lo que había podido leer en alguna revista especializada, la película merecía la pena, sobre todo por el trabajo de la actriz protagonista, Nathalie Baye. Por eso me decidí a verla. Pero salí del cine un tanto indiferente.

La historia es buena en un principio (una madre ultraposesiva y totalmente obsesionada por su hijo, al que trata con desprecio y le exige demasiado, y a veces, le premia sin motivo), y los actores principales podrían ser peores, pero hay algo que no acaba de funcionar. Todo parece muy aleatorio, muy hecho a la buena de Dios. Podría ser de otra manera, pero es así porque sí. Por no hablar del final, totalmente absurdo. Si el estresado protagonista se hubiese suicidado podría haber mejorado el film (por lo menos te quedaría ese poso de darle al coco una vez finalizada la película).

Este es el fallo. Creo que el director no ha sabido transmitir la vida del niño, ni su relación con sus padres. Todo parece traído por los pelos, y no hay nada diferente. En definitiva, ahora entiendo por qué no había nadie más en el cine. Es que ni siquiera me gustó la casa, que ya había utilizado Haneke en Caché (2005).

Esta tarde iré a ver Paris mon amour, a ver que tal está. Ya os contaré (espero que en breve).

DE TODO UN POCO

¿Qué sería de nosotros en un mundo sin libros? Se concibe una sociedad en la que los bomberos dejan de ser nuestros héroes para iniciar una persecución de pesadilla contra los pocos valientes que pretenden defender sus ideales? Esto es lo que nos narra Farenheit 451, excelente película del gran François Truffaut relizada en 1966, con un guión basado en la novela de Ray Bradbury. La historia en sí es muy interesante, y puede resultar preocupante si pensamos que cada vez se lee menos en este mundo. Con unos actores más que solventes (estupendos Oskar Werner y Julie Christie), la película cuenta una estética futurista al más puro estilo de Alphaville (Jean - Luc Godard, 1965), con esos personajes que asisten impasibles (a veces se podría decir que totalmente atontados y poseídos por las directrices de un gobierno tirano) a la destrucción de la cultura y a la pérdida de la libertad de acción y decisión.

Me encanta el color rojo que domina toda la estética del film, y destaco la escena en la que la vieja maestra decide inmolarse a lo Juana de Arco, prefieriendo perecer entre sus preciados libros antes que perder su fuente de conocimiento.

La siguiente película en la lista es la ópera prima de los hermanos Ulloa, David y Tristán, titulada Pudor, con un guión firmado por el propio Tristán, que adapta la novela de Santiago Roncagliolo. Narra la historia de una familia que a su vez está repleta de historias personales cargadas de un profundo dramatismo: los padres cuya incomunicación es más grave de lo que pueda parecer en un principio sufren por motivos muy distintos (él se muere y ella no se siente querida); la hija mayor, que sufre por una homosexualidad reprimida y los trastornos propios de la adolescencia; el abuelo, que desea recuperar el amor de juventud; y el hijo pequeño, el más feliz de todos ellos, con sus fantasmas y su cariño correspondido por su amiga. Con un trabajo actoral más que logrado (Nancho Novo está bien, pero Elvira Mínguez y, sobre todo Natalia Rodríguez, hacen un trabajo excelente. Atención con esta chica cuyo parecido con la actriz Natalia Sánchez, de Los Serrano, me tuvo loca toda la película: es ella o no es ella?), sin embargo resulta fallida en su intento de proponer una historia original e, incluso, una puesta en escena novedosa (o por lo menos eso es lo que se dice de la película en revistas como Fotogramas). No sé qué sucede con el cine español de los últimos tiempos que todas sus obras parecen iguales. No hay más que ver Mi vida en 65 minutos, El camino de los ingleses o Azuloscurocasinegro para darse cuenta de que ahora lo que se llevan son las historias deprimentes y esa estética de colores saturados en azul y verde. En otra ocasión, hermanos.

Por último, quería comentar la que me parece una gran película de época: Las amistades peligrosas (Stephen Frears, 1988). Otra adaptación de una novela, en este caso de Chordelos de Laclos, que cuenta con un reparto excepcional, incluidos los jóvenes Uma Thurman y Keanu Reeves; sin embargo, lo que realmente hace que la película funcione es el excelente trío de protagonistas: Glenn Close, Michelle Pfeiffer y mi muy admirado John Malkovich, cuya interpretación del Vizconde de Valmont es admirable. Lujo, ostentación, intrigas, secretos y traiciones se entrecruzan en la vida una sociedad clasista, la del siglo XVIII, en la que importaba más la peluca y el vestuario que otra cosa (Oscar merecido por el vestuario, además de otros dos por guión adaptado y dirección artística).

Es un film que se disfruta muchísimo, así que si no lo habéis visto...

300

Madre mía, madre mía! Qué polémica con la película de Zack Snyder. No se le pueden poner pegas, porque sino los fanáticos del comic (y de la película) te comen. Pero voy a ser valiente... Ouuuu!

A ver, vamos a decir las cosas bien: la película resulta lo que uno se espera de ella. Es una gran adaptación del comic de Frank Miller (he de decir que no lo he leído, pero me consta por fuentes fidedignas que es realmente fiel a la estética). Una ya sabía a lo que iba, por lo tanto la peli no me ha defraudado. Cada fotograma es una viñeta, y personajes y ambientación están muy bien. Tampoco le pongo pegas a los actores (pobres! Después de tantas horas de gimnasio era lo que les faltaba).

Pero hay algo que no me acaba de encajar...

Creo que tiene un problema... Para mí es irremediable establecer comparaciones con Sin City. Siiiiiiii!, ya sé que son dos cosas distintas, y que no tienen nada que ver, pero creo que si me leyera los dos comic me gustaría más Sin City. Tal vez sea porque la estética de 300 ya se me hace pesada tras ver Troya, Gladiator, Alejandro Magno... Lo cierto es que hay cosas que parece que ya las he visto antes.

Por lo demás, no me gustó la música (no entiendo el riff de guitarra eléctrica), y algunos díalogos tampoco, y la parte de la reina Gorgo y los jerifaltes espartanos me sobra bastante (ya que estamos que haya más mamporros!) pero le doy el visto bueno. Arrastro!